Secuela, saga, adaptación, franquicia, remake, reboot, precuela, entrega… ¡Pasta! Casi todas estas palabras me provocan miedo. Principalmente porque vienen marcadas por el símbolo del dólar y todos sabemos que la moneda americana no está en su mejor momento. Hollywood pasa de ideas originales y es preferible una fuente de ingresos con un grupo de adeptos previo, que así aseguramos alguna ganancia.

Una se echa las manos a la cabeza cuando lee cosas cómo que habrá una nueva adaptación de ‘Los tres mosqueteros’, pero cuidado, que la cosa aún mejora al especificar que será en clave “más juvenil”. Yo ya no quiero cosas juveniles, me hago mayor y empiezan a dolerme las articulaciones. Servidora no puede conciliar el sueño pensando en qué juventud inspirará la sacrílega adaptación.

¿Disney? Sin duda los Jonas Brother interpretarían Athos, Porthos y Aramis, y el cabecilla del grupo no podría ser otro que Zac Efron. Sería el primer D’Artagnan luchando a espada a pecho descubierto. Si éste no pudiera sería facilmente reemplazable por los abdominales de Taylor Lautner.

¿Scorsese? De Niro, Harvey Keitel y Joe Pesci acompañando a Leonardo DiCaprio. A mí tampoco me gusta demasiado como D’Artagnan, pero si Marty se ha encaprichado no seré yo quien le lleve la contraria.

¿Tarantino? Samuel L. Jackson, Tim Roth y Michael Madsen como los mosqueteros y, por supuestísimo, Uma Thurman a la cabeza. Él tiene su manera de ver las cosas, puede gustarte o no gustarte, pero siempre tiene razón.

¿Apatow? Seth Rogen como aspirante a mosquetero y Paul Rudd, Jonah Hill y Jason Segel de consortes. Más o menos como en sus películas.

¿Burton? Danny DeVito, Helena Bonham Carter y Johnny Depp escoltarían a… Deep Roy!

¿Sinde? La superministra conoce tan bien a la juventud como las tecnologías, por lo que se quedaría con Yon González, Mario Casas y Maxi Iglesias con Martiño Rivas a la cabeza. Reíros pero seguro que reventaba la taquilla.

¿Y Sande? Pues mis mosqueteros serían Raúl Arévalo, Daniel Brühl y Jesse Eisenberg con Joseph Gordon-Levitt capitaneando el grupo. Son jóvenes, a mí me ponen y darían algo de dignidad al proyecto.

Carey Mulligan debutó en 2005 con la versión de ‘Orgullo y prejuicio’ dirigida por Joe Wright, en ella interpretaba a Kitty, una de las insoportables hermanas de Lizzy. Las menores de la familia Bennet son dos de los personajes más odiados de la literatura, sus estúpidas risitas nos sacaron de quicio a todos, pero lo peor es que la mayoría fuimos así en alguna ocasión. Cinco años después tenemos a una Carey Mulligan más crecidita, nominada al Oscar e interpretando a otra adolescente.

En ‘An education’ Mulligan da vida a Jenny, una inteligente estudiante de 16 años cuya única determinación en la vida es estudiar en Oxford, o más bien esa es la idea de su padre. Ella sueña con viajar a Paris e impregnarse del arte y la cultura de la ciudad de la luz. ¿Y qué pasa con toda adolescente bien encaminada por sus padres? Un chico. En este caso un hombre, David, un elegante y embaucador vividor que puede convertir todos los sueños de Jenny en realidad. Sin embargo, nada es lo que parece y la vida dorada que ponen en bandeja a la joven no resulta tan reluciente cuando se está dentro de ella.

Lo especial de Jenny no es que sea una chica lista, sino que es una chica espabilada, tal y como demuestra en las conversaciones con su padre, un brillante Alfred Molina. Pero por muy inteligente que seas ¿quién diría que no a una vida de cultura y glamour? Mulligan interpreta a la perfección a la adolescente de respuestas incisivas, la cándida niña en un mundo fuera de sus posibilidades y la desengañada mujer que por las malas aprenderá a usar su cabeza, por encima del corazón.

‘An education’ no ha cumplido todas mis expectativas, ya que teniendo como guionista a Nick Hornby, escritor de las novelas en que se basan ‘Alta fidelidad’ y ‘Un niño grande’, eran de esperar más conversaciones memorables. Tras la brillante primera media hora la acción flogea por momentos, pero resulta una película correcta en todos sus aspectos, con geniales interpretaciones y un estilo muy cuidado en la línea ‘Mad men’, todo ello para lucimiento de una fulgurante Carey Mulligan. No fundamental, pero sí altamente recomendable.

¿Una escena de la película? Jenny bajo la lluvia con su violonchelo cuando el elegante coche de David para delante suya y le ofrece llevar su instrumento resguardado, pero no a ella, que supone no subiría en el coche de un desconocido. Sí, al final ella también subió.

Lo reconozco, iba con prejuicios. Las críticas no apuntaban alto y con los 43 millones de dólares que recaudó en Estados Unidos se mascaba la tragedia. Por suerte mantengo mi yo ñoño siempre latente, a la espera de grandes escenas dramáticas y trasfondos llenos de valores, por lo que en lo más profundo de mi ser pensaba sacar algo en limpio. Pues no. Peter Jackson ha logrado adaptar mal una novela dramática y convertirla en un amago de thriller sostenido por algodón de azúcar.

‘The lovely bones’ adapta la novela ‘Desde mi cielo’ de Alice Sebold, que narra las vidas de todos los que rodean a Susie Salmon después de que la niña sea asesinada. Sebold se centra en la evolución de los personajes marcados por la tragedia y aunque la búsqueda del asesino es parte inherente a la historia, nunca es el centro de ella. La escritora, que fue violada a los 19 años, pretende dar una lección de aceptación por encima de la venganza, y aunque no me convenció demasiado el libro, esa era su visión. Tras ver el primer tráiler, y presuponiendo fidelidad a la obra, pensé que el señor Jackson había elegido los escasos momentos de tensión para vender un producto más interesante para el gran público. Pero no, el señor Jackson se ha quedado con esos momentos de tensión para resumir todo el libro, lo que yo considero una violación a la novela de Sebold.

La película en sí, dejando a un lado la novela original, se marca 135 minutos donde el 70% de las tomas (sí, me he inventado la cifra) son primeros planos de Saoirse Ronan. Susie en su cielo, Susie y su gorro de lana, Susie vestida de popstar… Jackson se ha pasado gran parte de la película jugando con la tecnología de Weta Digital para no contar nada con esas imágenes. Pero tranquilos, porque cuando no sabemos contar historias visualmente sale al rescate la voz en off. Odio la voz en off, no porque me desagrade, sino porque la mayor parte de las veces resulta un recurso rápido para dar carpetazo a algo que no se sabe transmitir. Un buen uso de la voz en off lo muestra el maestro Scorsese en ‘Casino’, sin abusar y aportando a la historia. Muchos justificarán su uso porque la novela está escrita desde la visión de Susie, pero en ella narraba la vida de muchas otras personas, lo que disminuye el factor empalago.

Lo único rescatable de ‘The lovely bones’ es Stanley Tucci y las escenas que lo involucran, y es que el malo siempre es lo más interesante de la película. ¿Decepcionada? Más de lo que pensaba. No vale como thriller, no deja ningún mensaje sustancial y para ver fantasía y colorines prefiero a Tim Burton, o echarme una carrera en la Senda del Arco Iris del Mario Kart.

Odio a Ted Mosby. Es pringado, calzonazos, insulso y estoy convencida de que Josh Radnor hace años estaba gordo, lo que no es un problema pero me crea una extraña inquietud. Es el típico personaje sobre el que gira la trama central de una serie y que acaba eclipsado por algún secundario, en este caso Barney y sus trajes. Esta ¿profunda? y desubicada reflexión pretende poner en situación para la siguiente noticia: Josh Radnor, el actor que interpreta a Ted y al que por extensión también odio, se ha llevado el Premio del Público de esta edición de Sundance en la categoría de ficción. Siempre he confiado en los galardones elegidos por el público ya que combinan calidad y accesibilidad a partes iguales, porque al final todo esto del cine se basa en el entretenimiento.

Radnor ha escrito, dirigido y protagonizado ‘Happythankyoumoreplease’ (¡toma ya!), una historia coral sobre jóvenes neoyorquinos que se enfrentan a la madurez, el cinismo actual y al verdadero significado de la amistad y el amor (sinopsis patrocinada por IMDb). El protagonista de la cinta es Sam Wexler, un escritor que lidia con un día especialmente difícil, hasta que se encuentra en el metro a un niño perdido, al que decide llevar a su apartamento y con el que inicia una complicada amistad. El resto de personajes lo forman los amigos de Sam: Annie, cuya imagen personal la aleja de sus compromisos; Charlie y Mary Catherine, una pareja que pondrá a prueba su relación ante un posible traslado; y Mississippi, una camarera por la que se interesará Sam.

Llegados a este punto ya debería tener mi opinión sin fundamento, pero no voy a dejar que el tonto de Ted y mi afán prejuicioso nublen mis esperanzas sobre un proyecto que merece ser tenido en consideración. Por el momento no existe tráiler ya que la cinta no tiene ni distribuidora, esperemos que eso cambie tras su paso por Sundance, así que nos quedamos con su video de presentación en el Festival.

Seguramente más de uno pasará por aquí y no le interesará leerse todo lo anterior, así que os dejo a continuación la lista completa de ganadores. Entre las múltiples galardonadas se encuentra la cinta australiana ‘Animal Kingdom’, vencedora en la categoría de ficción internacional.

PREMIOS DEL JURADO

(USA) Gran Premio del Jurado, ficción: ‘Winter’s Bone’ de Debra Granik
(USA) Gran Premio del Jurado, documental: ‘Restrepo’ de Tim Hetherington & Sebastian Junger
(Internacional) Premio World Cinema, ficción: ‘Animal Kingdom’ de David Michôd
(Internacional) Premio World Cinema, documental: ‘The Red Chapel (Det Røde Kapel)’ de Mads Brügger
The Best of NEXT: ‘Homewrecker’ de Todd Barnes & Brad Barnes
(USA) Premio especial del Jurado, documental: ‘GasLand’ de Josh Fox
(USA) Premio especial del Jurado, ficción: ‘Sympathy for Delicious’ de Mark Ruffalo
(Internacional) Premio Especial World Cinema (documental): ‘Enemies of the People’ de Rob Lemkin & Thet Sambath
Mejor director de fotografía, ficción: Zak Mulligan por ‘Obselidia’
Mejor director de fotografía documental: Al Massad por ‘Recycle’
Premio Waldo Scott al mejor guión: Debra Granik & Anne Rosellini por ‘Winter’s Bone’
Mejor director, ficción: Eric Mendelsohn por ‘3 Backyards’
Mejor director, documental: Leon Gast por ‘Smash His Camera’
Mejor edición, documental: Penelope Falk por ‘Joan Rivers: A Piece of Work’
Premio Alfred P. Sloan a la película sobre ciencia o con un científico, ingeniero o matemático como personaje principal: ‘Obselidia’ de Diane Bell

PREMIOS DEL PÚBLICO

Ficción (USA): ‘HappyThankYouMorePlease’ de Josh Radnor
Documental (USA): ‘Waiting for Superman’ de Davis Guggenheim
Ficción (Internacional): ‘Contracorriente (Undertow)’ de Javier Fuentes-Leõn
Documental (Internacional): ‘Wasteland’ de Lucy Walker

Seamos sinceros, la acción es terreno masculino, y si ya nos metemos en cine bélico la cosa se restringe aún más. Sin embargo, Kathryn Bigelow ha demostrado que tiene más talento que la mayoría para representar la guerra y, de paso, dejar claro que los tiene muy bien puestos. Ni yo soy muy bélica, ni me había interesado nada de la filmografía de esta directora, salvo un cariño infantil que le guardo a ‘Le llaman Bodhi’, pero hoy he tomado la firme decisión de que Bigelow es mi favorita absoluta para llevarse el Oscar a la mejor dirección.

‘En tierra hostil’ narra el día a día de un grupo de artificieros en Irak y desde el primer minuto nos advierten que la guerra es una droga, y esta droga es la adrenalina. Bigelow nos sirve en bandeja el mismo chute que siente James, el temerario cabecilla de la patrulla, cada vez que tiene que desactivar una bomba. Mediante un perfecto uso de la cámara en movimiento la película roza por momentos el tono documental para brindar el realismo necesario a un conflicto tan actual como el de Irak. Mientras en otras cintas se critica el abuso de esta técnica, la directora lo usa con brillantez para conferir el movimiento necesario en los momentos de más tensión y dejarnos sin aliento.

La película me hubiera parecido sublime si se limitara a representar la actividad de este grupo, pero me da la sensación que Bigelow quería decirnos algo más sobre la vida de estos hombres y su evolución en una profesión de alto riesgo. Y esa es mi pequeña pega. Las escenas dramáticas no me han hecho sentir nada por los protagonistas que, a pesar de ofrecer grandes interpretaciones, no importan demasiado al espectador. Puede que parte del problema sea que mi filtro antiyanki se acciona muy rápido, y donde me quieren mostrar la manera de aliviar tensiones cuando te juegas la vida cada segundo, yo sólo veo a tres idiotas dándose puñetazos.

Dejando el drama a un lado, ‘En tierra hostil’ es una enorme película de acción, que te deja pegado al asiento en cada escena mientras brinda dos horas de goce bélico, incluso para los más reacios. Siento que Bigelow tenga que enfrentarse a su ex marido, el todopoderoso Cameron, en los Oscar, porque si fuera por mí ella se llevaría el máximo reconocimiento como directora, lo suyo sí que es entretenimiento del bueno.

La vida real es un tema que no mola demasiado en el cine, situaciones exceptionales, personajes inverosímiles y la pura ciencia-ficción funcionan mucho mejor en taquilla, tal y como ha demostrado ‘Avatar’ al convertirse en la película más taquillera de la historia. Todos buscamos vernos reflejados en la gran pantalla, como si así lograramos entendernos mejor. Pero yo no soy ni una torpe encantadora de comedia romántica, ni la buenorra florero del cine de acción. Yo siempre me he visto como chica de drama, como la contenida Kate Winslet en ‘Revolutionary Road’ o el efervescente Kevin Spacey de ‘American beauty’.

Como hoy toca drama y realidad he elegido hablar de ‘Blue Valentine’, la historia de una pareja a lo largo del tiempo, desde el amor al odio con todos sus altibajos. La dirección corre a cargo de otro debutante, Derek Cianfrance, que ha contado con una gran pareja para encabezar el reparto: Michelle Williams y Ryan Gosling. Ya sé que muchos no estaréis de acuerdo, pero a mí me encantan. Ryan es un tío con muchísimo talento, sólo hay que verlo en ‘Lars y una chica de verdad’ o ‘Half Nelson’, olvidándose de la edulcorada ‘El diario de Noa’. Y Michelle me resulta una tía muy real y verosímil, hace bastante cine independiente intentando buscar buenos papeles pero falla al elegir blockbusters, porque fiascos como los de ‘La lista’ dejan huella. La alargada sombra de Heath Ledger la perseguirá el resto de sus días.

Por el momento tenemos el video de presentación de Sundance, con el director hablando de la película y donde aparecen algunas imágenes de la misma. Cianfrance me ha parecido uno de los cineastas primerizos más afectados con su retoño, y no es para menos, doce años trabajando para poder hacer un largo y cumplir el sueño de tu vida, eso sí que es algo personal.

El pasado jueves os hablaba de ‘Buried’, la nueva película del gallego Rodrigo Cortés y que debutó este fin de semana en Sundance. Pues hoy tengo que decir eso de Galicia Calidade, ya que Lionsgate se ha hecho con los derechos de distribución de la cinta, confirmando que ha sido uno de los estrenos más aplaudidos hasta el momento. Mi más sincera enhorabuena para Cortés, y si vuelve para casa con alguno de los galardones aún mejor.

Hoy voy a hablar de otra de las películas en competición, ‘Animal Kingdom’, drama criminal australiano escrito y dirigido por el debutante David Michôd. La historia comienza cuando Pope Cody, un ladrón armado que huye de la ley, decide esconderse en su barrio rodeado de su familia y amigos. Al mismo tiempo se muda con ellos Joshua “J” Cody, un sobrino lejano que se verá inmerso en la sangrienta lucha entre la policía y su familia.

Por el momento tenemos el teaser tráiler que dejo a continuación, una nueva demostración de lo bien que sintonizan música y acción radicalmente diferentes, y el principal motivo por el que hoy se merece un ratito de mi atención. Nos encanta el crimen y nos encanta la sangre, así que estaremos pendientes de lo que sucede con esta historia de los bajos fondos australianos.

Un mes después de estrenarse en Estados Unidos llega a nuestras pantallas ‘Up in the air’, justo a tiempo para llegar a los Oscar. Ya es todo un clásico de principio de año que lleguen en manada las películas menos comerciales pero más reconocidas en las entregas de premios. Hasta la gala que tendrá lugar el 7 de marzo se estrenarán ‘Invictus’ y ‘El tierra hostil’ (29 de enero); ‘La carretera’ y ‘Precious’ (5 de febrero); ‘A single man’ (12 de febrero); y ‘The lovely bones’, ‘Un profeta’ y ‘An education’ (26 de febrero).

Hoy le toca el turno a la nueva película de Jason Reitman, el fantástico director de ‘Gracias por fumar’ y ‘Juno’ que repite fórmula con el respaldo de un gran presupuesto. No se puede decir que 25 millones dólares sea una gran cantidad teniendo en cuenta los 500 que se especula que ha costado ‘Avatar’, pero frente a los 6.5 y 7.5 millones de sus dos anteriores cintas es todo un progreso. Reitman nos ofrece comedia, drama y moral a partes iguales en la historia de Ryan Bingham, un hombre que se pasa la vida viajando y despidiendo a los trabajadores cuyos jefes no tienen valor para hacerlo.

El director vuelve a concentrar el peso de la película en sus personajes, sus diálogos y su desarrollo, y para ello nada mejor que el soberbio trío protagonista. Como cabeza de cartel está un brillante George Clooney que ha encontrado en la humanidad de Bingham uno de los mejores papeles de su carrera, interpretando al dedillo el viaje emocional de este hombre independiente y seguro de sí mismo que parecía incapaz de conectar y dar algo por otra persona. La elegida es Vera Farmiga, otra viajera habitual en la que encuentra su alma gemela y con la que nos ofrece los mejores momentos de la película. Las escenas que comparten ambos actores destacan sobre el resto con una naturalidad y una química abrumadoras. La tercera en discordia es la crepusculiana Anna Kendrik, que vive su propio viaje emocional desde la chica que cree saber mucho de la vida y las personas, pero que finalmente descubrirá que cara a cara las cosas son distintas.

Reitman vuelve a meterse con un tema peliagudo con un personaje que se dedica a destrozar la vida de otras personas, pero su visión tragicómica y mordaz le sirve para ensalzar por encima de todo la necesidad de las relaciones humanas. La soledad y frialdad del mundo empresarial es paralela a la de las personas, que limitamos nuestras relaciones, ya sea por miedo o porque nos resulta más fácil no depender de nadie y no llevar peso en la mochila. Al final todos, como Bingham, descubrimos que la vida es mejor con la compañía adecuada. Lo difícil es encontrarla.

Tras repasar ‘Hesher’ y ‘Buried’, hoy le toca el turno a ‘Welcome to the Rileys’, segundo largometraje de Jake Scott, conocido más por ser hijo de Riddley que por haber dirigido en 1999 la prescindible ‘Plunkett y Macleane’.

El que debería ser uno de los grandes dramas del festival narra la historia de Doug y Lois, un matrimonio que ha perdido a su hija adolescente. Ella vive dedicada a mantener su casa inmaculada, mientras que él anestesia el dolor con la pasión momentánea que le ofrece su affair con una camarera. Cuando la amante fallece, Doug escapa a Nueva Orleans con la excusa de un viaje de trabajo y acabará convertido en el guardián de una prostituta menor de edad con un pasado difícil. Lois luchará por vender su agorafobia y reclamar su matrimonio, acogiendo en su propio hogar a la joven.

Muerte, sordidez y redención. Lo tiene todo. Pero si hay algo que destaca de esta historia es su firme reparto, encabezado por Melissa Leo, James Gandolfini y Kristen Stewart. La protagonista de la saga ‘Crepúsculo’ tiene aquí el vehículo perfecto para demostrar que le sobra el talento, a pesar de lo que demuestra en el romance vampírico. Tras su constante gesto de ‘aquí huele a mierda‘, Stewart parece tener más que ofrecer, como ya demostró en la joven confusa de ‘Adventureland’ o la adolescente deseosa de ‘Hacia rutas salvajes’.

Aunque muchos acabarán reduciendo ‘Welcome to the Rileys’ a las escenas ligerita de ropa de Stewart, los dos pesos pesados que la acompañan aseguran un par de buenas interpretaciones. Esperemos que la crepusculiana esté a la altura.

SPIKE JONZE ES DIOS