Mi relación con ‘Furia de titanes’ ha pasado por varias fases. Cuando empezaron a rodar en el Teide estaba como loca por verla. Después sacaron aquella primera imagen tan oscura, y se me puso la mosca detrás de la oreja. El primer tráiler hizo resonar en mi cabeza la palabra cutre. Y para terminar la faena, la conversión a 3D con el omnipresente Cameron rajando por todos los lados. Llegados a este punto, y con mi animadversión por la tridimensionalidad, había una cosa clara: no iba a pagar 3€ más por amor a Sam Worthington.

La película se centra en Perseo, semidios hijo de Zeus, destinado a matar al Kraken que libera Hades para destruir Argos. Podría decir que es un resumen a grandes rasgos, pero mentiría, ya que el guión no da para mucho más. Este tipo de acción cutre se suele dividir en tres partes: ofensa, violencia a raudales y epílogo. Si una de ellas falla, lo hace toda la película. Para mí, el error de ‘Furia de titanes’ es la ofensa, parte en la que deberían presentarnos a los personajes, explicarnos la trama y permitirnos empatizar con la historia. El señor Louis Leterrier se saca de encima en 10 minutos la introducción para poder recrearse durante la hora restante en todos los seres que le permiten desarrollar los 125 millones de dólares que tiene de presupuesto. Yo llegué a la sala con dos estrechas relaciones formadas con Sam Worthington y Ralph Fiennes, el primero por ser el buenorro del momento y el segundo por ser mi Dios particular, pero ni eso salvó que me importara más bien poco lo que les pasaba a cualquiera de los personajes.

Como los productores ya se olían que esta película no iba de contar una historia, prefirieron entretenernos a base de acción, bastante respetable pero tan vacía como el resto del guión. Lo que más rabia me da es la cantidad de tiempo dedicada a acabar con los escorpiones del desierto y lo rápidamente que pasan por lo más mítico de la historia: Medusa y el Kraken. Pero para cosas rápidas el desenlace, que parecía decir secuela con luces de neón.

Si la cinta no da para más en cuanto a historia, ya no hablemos en cuanto a interpretaciones. Esa rabia cabizbaja de Worthington, tan típica del hermano malo Fiennes en ‘Flashforward’, rompen mis esperanzas de ver en él un gran actor más allá del protagonista de superproducciones.

En general, ‘Furia de titanes’ deja un tufillo de cutrez, capitaneado por las armaduras brillantes de los dioses olímpicos, indigno de una superproducción. Estoy de acuerdo con ahorrar en actores para gastar en efectos especiales, pero ¡contratad un buen guionista!. A pesar de todo, reconozco que se me pasó el tiempo volando, quizá a costa de ir comentando la jugada, o quizá por el odio hacia las cuatro quinceañeras que se reían cuando decían Kraken.

Tarde fría y lluviosa de Semana Santa. Alguna procesión se habrá quedado sin salir a pasear sus inmorales santos, lo que me regocija por dentro. Como los paganos no tenemos que cumplir penitencia, hoy tocó sesión doble de sobremesa. El primer pase fue ‘Luciérnagas en el jardín’, esa película coral con una foto enorme de Julia Roberts a pesar de que es la que menos planos tiene.

La cinta está dirigida por un tal Dennis Lee, al que no conozco de nada, pero que deduzco es amante del drama familiar francés. El debutante debió llegar a una productora con su guión bajo el brazo calcando la típica historia de “familia con secretos reunida por un accidente”, y para darle un toque cultureta lo tituló como un poema de Robert Frost y dijo que estaba basado en él. A alguno de por allí le debió gustar y decidieron aplicar la maniobra Julia, es decir, dedicar el 80% del presupuesto para contratar a la Roberts por 5 minutos en pantalla y ponerla como cabeza de cartel.

Obviamente, todo lo de antes me lo he inventado, pero podría ser una manera de explicar la diferencia entre lo que nos venden y lo que nos encontramos. La película, de verdad, va de un escritor de novelas románticas marcado por la dura infancia con su exigente padre. Tras la trágica muerte de un miembro querido por toda la familia, Lee nos pasea entre presente y pasado para narrar su duelo y contarnos los traumas de Ryan Reynolds. Finalmente ven juntos un video de la fallecida y todos felices. Así sin más, porque en algunos sitios se vende muy barata la redención. Aunque en conjunto la historia hace aguas, hay varias escenas lo suficientemente divertidas y emotivas que merecen ser salvadas, eso sí, por obra y gracia un Reynolds que cada día se maneja mejor en esto de la dramedia.

El segundo plato fue ‘Soul Kitchen’, la nueva película de Fatih Akin, del que ya debería haber visto ‘Contra la pared’. La comedia gira en torno a Zinos, dueño y cocinero de un restaurante tan cool como cutre donde se come a base de fritangas. Cuando su novia se muda a Shangai, y mientras él decide si seguirla, tendrá una hernia discal, buscará un nuevo y minimalista cocinero que no funciona con su clientela habitual, lidiará con su hermano presidiario, revivirá su negocio con un nuevo público y un antiguo compañero de colegio reconvertido en especulador inmobiliario intentará hacerse con su local.

La primera media hora transcurre con ritmo y desarrollando la trama con sentido, para después recaer en muchas situaciones manidas en comedias yankis, ya sean orgías comunales, desafortunados entierros o matones de barrio bajo. La suerte de Akin es que pasa de retratar adolescentes o treintañeros aburguesados, y encuentra en este conjunto de perdedores otra sociedad, con los que es más fácil conectar y que dejan mejor gusto en el paladar. ¿Conclusión? Pasable y a la vez prescindible.

Siempre aspiro a ser una de esas personas que lo anotan todo, y siempre fallo. Lo más frustrante es la ingente cantidad de libretas, bolígrafos y agendas que acumulo por culpa de esta moderna patología conocida como la diógenes de la papelería, cada día más extendida entre el género femenino y sin cura en el horizonte. Un daño colateral de ser despistada fue olvidarme de ‘Paprika, detective de los sueños’, cinta que descubrí hace algo más de 6 meses cuando se rumoreaba que Wolfgang Petersen preparaba su remake. Por suerte para mí, ayer el director de ‘La historia interminable’ ofreció unas declaraciones sobre el proyecto y me dije que no pasaría más tiempo sin verla.

La cinta de animación para adultos se estrenó en 2006, estuvo dirigida por Satoshi Kon (‘Perfect Blue’) y, a su vez, estaba basada en la homónima novela de Yasutaka Tsutsui. La historia gira en torno a un novedoso invento conocido como Mini DC, que permite al que lo lleva introducirse en los sueños de otras personas. El prototipo, todavía en desarrollo, está destinado a revolucionar el campo de la psiquiatría, pero, como no podía ser de otra manera, acaba en manos que no opinan lo mismo. Sin las restricciones necesarias, el aparato permite a su usuario ver los sueños de otro sin necesidad de estar conectado a una máquina de psicoterapia y lo que es aún peor, lograr meterse en sus mentes incluso cuando están despiertos.

‘Paprika’ se divide en dos partes, la de desarrollo y explicación, y la de desenlace y paranoia. Mientras en la primera la concentración es máxima para no perderte en el entramado de la tecnología, la segunda es una explosión onírica que resta sentido a casi todo lo anterior. Lo que se dice una ida de olla. Reconozco que me gustan este tipo de cosas, con sus saltos de realidad a sueño y las paranoias privadas de cada uno, y si encima tiene una trama con cierto sentido es toda una victoria. El problema de ‘Paprika’ es que al llegar la fusión entre los mundos se diluye la fuerza de la historia, dejando paso a las muñecas de porcelana, la variopinta procesión de objetos y la más que rápida eliminación del villano.

A pesar de la desigualdad global se agradece la existencia de una historia, algo de lo que carecía una cinta similar, ‘La celda’, que vendió colorido y perversión como si fueran suficientes para crear una trama. Pero si hay algo que me convenció de ‘Paprika’ fue su banda sonora y esa melodía que te invita a pasear con su protagonista por las fantasias ajenas. Entre las curiosidades de la cinta destacaría las dos referencias a la homosexualidad asociadas a los malos de la historia ¿prejuicios a estas alturas?

‘United States of Tara’ fue, para mí, el mejor descubriento en comedia de los últimos años. No sólo ofrece una temática diferente a todos los intentos de copia de ‘Friends’, sino que la química entre los actores es perfecta para lucimiento de sus grandes diálogos. En todo ello se destila el peculiar estilo de su creadora y guionista, la genial Diablo Cody. Cuesta creer que tanto talento estuviera hasta hace poco frotándose por una barra americana.

SPOILERS INSIDE

Los dos primeros capítulos tienen la clara misión de ponernos en situación de todo lo que veremos el resto de temporada. Tras el repaso a lo sucedido el año pasado y el maravilloso opening que se mantiene igual, nos encontramos dentro de un contenedor de recogida de ropa y fuera tenemos a los cuatro miembros de la familia Gregor dispuestos a deshacerse de las personalidades de Tara, o más bien de sus atuendos, ya que ahora son una idílica familia feliz que lleva tres meses sin transiciones, es decir, sin rastro de Alice, Buck, T o Gimme.

Sin embargo, recordemos que el final de la primera temporada nos descubría que no fue un abuso sexual el que provocó la enfermedad de Tara, sino que ya existía en aquel momento, y la serie no tendría sentido sin el desorden disociativo de personalidad de su protagonista. En esta ocasión la vuelta de sus alter ego viene propiciada por el brutal suicidio de su vecino, que les llevará a tener las llaves de su casa y ya se sabe que la curiosidad mató al gato. Llegados a este punto lo mejor será dividirnos entre los personajes principales y cada una de sus subtramas:

TARA: a diferencia del piloto, en el inicio de la segunda temporada sólo hace acto una personalidad, mi favortita, Buck. El machote del grupo volverá a un bar donde Tara y Max van a tomar unas cervezas e intentará ligar con la camarera. Para sorpresa de muchos, y gloria de la serie, Buck se levanta a la mañana siguiente a su lado, y cuando Tara vuelve a tomar posesión de su cuerpo no tiene ni idea de lo sucedido, lo que provocará un incómodo encuentro con la camarera. El final volverá al rollo bollo, pero en esta ocasión es Tara la que despierta en esa cama. Todo esto nos llevará de vuelta a una de las cuestiones de la primera temporada, que Tara no permite a Max acostarse con sus personalidades.

KATE: la adolescente rebelde es uno de mis personajes favoritos, el trabajo de Brie Larson, como el de todo el reparto, es excelente y muy bien perfilado en cada uno de sus gestos. Ahora ya se ha gradudado, ha dejado el restaurante y con él al imbécil de Gene. Su nuevo trabajo como cobradora de deudas la llevará a conocer a la artista Lynda P. Frasier y a uno de sus personajes, la princesa Valhalla Hawkwind. No tengo muy claro a dónde la llevará el hada guerrera alada, ¿quizá a heredar la vena artística de Tara?

MARSHALL: tras superar su primer desamor y que uno de los alter ego de su madre se fuera a la cama con éste, ahora se enfrentará a su homosexualidad. Lo genial del personaje en la primera temporada era lo claras que estaban sus preferencias, sin la manida disyuntiva de ser hay o no ser, y que su propia familia lo tuviera aún más claro que él. Su nuevo entorno será el grupo de chicos gay de la escuela, y se moverá entre la defensa de sus derechos y la oposición a que deban hacer alarde tan público de su homosexualidad. El broche del final del segundo capítulo lo llevará a liarse con una compañera y, por la escena, no parece tener muchos prejuicios.

MAX: está claro que el patriarca no es el mejor personaje de la serie, pero sí el más necesario para contrarrestar el punto de locura de todos los demás. Se centra en la compra de la casa de su vecino fallecido y no se da cuenta que las personalidades han vuelto y que ahora, encima, crean sus propias relaciones al margen de la familia. ¿Hasta qué punto soportará la infidelidad de su mujer? ¿Hasta qué punto será culpa de Tara y hasta qué punto de Buck? De aquí saldrá una de las tramas principales, más allá del porqué de la situación de su mujer, ya que volverá a cuestionarse en qué medida es la propia Tara dentro de sus personalidades. Yo creo que este año sí se irá a la cama con alguno de los alter ego, apuesto por Shoshana, la nueva.

CHARMAINE: la hermana de Tara será la que mejor vivirá el inicio de temporada con sus pechos nuevos y prometida al guapo abogado del final de la anterior. Ésta quizá sea la subtrama más evidente, ya que acabará dividiéndose entre su futuro marido y Neil, compañero de trabajo de Max con el que mantuvo una relación intermitente cuando su ego rozaba el suelo.

Los dos capítulos han sido tan entretenidos como viene siendo habitual y con sus afiladas conversaciones, pero todavía no ha hecho acto de presencia la nueva personalidad, Shoshana, a la que veremos a partir del cuarto capítulo, y que representará a una terapeuta algo hippie que puede comunicarse directamente con las otra Taras.

¿Escena memorable? Entre las muchas que hay, incluyendo un dueto entre el matrimonio protagonista, me quedo con la llegada de Max a casa y su cara de circunstancia al encontrarse a su mujer con vestido y mandil, ¿Alice ha vuelto?

La pasada edición de los premios Goya me mostré convencida de que el premio a la mejor dirección novel sería para Álvaro Pastor y Antonio Naharro, responsables de ‘Yo, también’. Mis principales razones eran las buenas críticas y el tratar el síndrome de Down en primera persona, algo que, querramos o no, juega a su favor. Por supuesto, mis vaticinios prejuiciosos sin haber visto todas las nominadas no llegaron a ninguna parte, ya que el premio fue a parar a manos de una señorita llamada Mar Coll, que debutaba con el drama ‘Tres días con la familia’. Ahora, y tras conocer las dos cintas en cuestión, puedo decir que hemos ganado todos y, sobre todo, ha ganado el cine español con el buen gusto de los nuevos cineastas.

‘Tres días con la familia’ nos presenta a Léa, una estudiante que vive en Toulouse y que vuelve a casa para el entierro de su abuelo. La reunión sólo servirá para destapar los rencores de esta, aparente, dichosa familia burguesa catalana. A pesar de recordar en gran medida a la francesa ‘Las horas del verano’, Mar Coll nos ofrece una lección de fondo, forma y, sobre todo, buen gusto. No seré yo quien os desvele la trama, ni tampoco lo será Coll, ya que la acción nos retrata esos tres días de duelo sin artificios, dejándonos ser testigos de sus conversaciones y relaciones, permitiéndonos entablar nuestros propios vínculos con los personajes y encontrar en cada uno de ellos lo que ya conocemos de nuestras propias familias. A pesar de no ser una película excelente, servidora se quedó gratamente sorprendida de un trabajo tan inteligente firmado con sólo 28 años, una clara declaración de intenciones por parte de Mar Coll y un nombre del que estar pendiente en el futuro.

La segunda en discordia es ‘Yo, también’, donde Pablo Pineda casi se interpreta a sí mismo como Daniel, el primer europeo con síndrome de Down con un título universitario. Su llegada al mundo laboral lo llevará a conocer a Laura, compañera y objetivo amoroso, brillantemente interpretada por Lola Dueñas, todo un monstruo de la interpretación. Todas las dificultades de una relación entre ellos sólo son una excusa para explicarnos que el amor, y el sexo, no entienden de cromosomas, y que todas las personas tenemos los mismo impulsos. El drama lo pone Dueñas que, como la misma actriz dice, menuda mala vida le dan a sus personajes. Porque si Daniel ya tuvo que romper suficientes barreras, ahora se encuentra con una aficionada a la noche, los hombres y el alcohol que intenta afrontar su propio trauma familiar. Al igual que la cinta de Coll, ‘Yo, también’ destila buen gusto en todas sus escenas, bañando con un humor amable una situación poco habitual pero con un tema tan universal. Pastor y Naharro podrían habernos manipulado regodeándose en el drama, pero logran un debut notable al preferir dejarnos buen sabor de boca antes que un empacho de tópicos.

¿La conclusión? El cine español tiene una gran cantera, ahora sólo falta que sepamos apreciarla.

Secuela, saga, adaptación, franquicia, remake, reboot, precuela, entrega… ¡Pasta! Casi todas estas palabras me provocan miedo. Principalmente porque vienen marcadas por el símbolo del dólar y todos sabemos que la moneda americana no está en su mejor momento. Hollywood pasa de ideas originales y es preferible una fuente de ingresos con un grupo de adeptos previo, que así aseguramos alguna ganancia.

Una se echa las manos a la cabeza cuando lee cosas cómo que habrá una nueva adaptación de ‘Los tres mosqueteros’, pero cuidado, que la cosa aún mejora al especificar que será en clave “más juvenil”. Yo ya no quiero cosas juveniles, me hago mayor y empiezan a dolerme las articulaciones. Servidora no puede conciliar el sueño pensando en qué juventud inspirará la sacrílega adaptación.

¿Disney? Sin duda los Jonas Brother interpretarían Athos, Porthos y Aramis, y el cabecilla del grupo no podría ser otro que Zac Efron. Sería el primer D’Artagnan luchando a espada a pecho descubierto. Si éste no pudiera sería facilmente reemplazable por los abdominales de Taylor Lautner.

¿Scorsese? De Niro, Harvey Keitel y Joe Pesci acompañando a Leonardo DiCaprio. A mí tampoco me gusta demasiado como D’Artagnan, pero si Marty se ha encaprichado no seré yo quien le lleve la contraria.

¿Tarantino? Samuel L. Jackson, Tim Roth y Michael Madsen como los mosqueteros y, por supuestísimo, Uma Thurman a la cabeza. Él tiene su manera de ver las cosas, puede gustarte o no gustarte, pero siempre tiene razón.

¿Apatow? Seth Rogen como aspirante a mosquetero y Paul Rudd, Jonah Hill y Jason Segel de consortes. Más o menos como en sus películas.

¿Burton? Danny DeVito, Helena Bonham Carter y Johnny Depp escoltarían a… Deep Roy!

¿Sinde? La superministra conoce tan bien a la juventud como las tecnologías, por lo que se quedaría con Yon González, Mario Casas y Maxi Iglesias con Martiño Rivas a la cabeza. Reíros pero seguro que reventaba la taquilla.

¿Y Sande? Pues mis mosqueteros serían Raúl Arévalo, Daniel Brühl y Jesse Eisenberg con Joseph Gordon-Levitt capitaneando el grupo. Son jóvenes, a mí me ponen y darían algo de dignidad al proyecto.

Carey Mulligan debutó en 2005 con la versión de ‘Orgullo y prejuicio’ dirigida por Joe Wright, en ella interpretaba a Kitty, una de las insoportables hermanas de Lizzy. Las menores de la familia Bennet son dos de los personajes más odiados de la literatura, sus estúpidas risitas nos sacaron de quicio a todos, pero lo peor es que la mayoría fuimos así en alguna ocasión. Cinco años después tenemos a una Carey Mulligan más crecidita, nominada al Oscar e interpretando a otra adolescente.

En ‘An education’ Mulligan da vida a Jenny, una inteligente estudiante de 16 años cuya única determinación en la vida es estudiar en Oxford, o más bien esa es la idea de su padre. Ella sueña con viajar a Paris e impregnarse del arte y la cultura de la ciudad de la luz. ¿Y qué pasa con toda adolescente bien encaminada por sus padres? Un chico. En este caso un hombre, David, un elegante y embaucador vividor que puede convertir todos los sueños de Jenny en realidad. Sin embargo, nada es lo que parece y la vida dorada que ponen en bandeja a la joven no resulta tan reluciente cuando se está dentro de ella.

Lo especial de Jenny no es que sea una chica lista, sino que es una chica espabilada, tal y como demuestra en las conversaciones con su padre, un brillante Alfred Molina. Pero por muy inteligente que seas ¿quién diría que no a una vida de cultura y glamour? Mulligan interpreta a la perfección a la adolescente de respuestas incisivas, la cándida niña en un mundo fuera de sus posibilidades y la desengañada mujer que por las malas aprenderá a usar su cabeza, por encima del corazón.

‘An education’ no ha cumplido todas mis expectativas, ya que teniendo como guionista a Nick Hornby, escritor de las novelas en que se basan ‘Alta fidelidad’ y ‘Un niño grande’, eran de esperar más conversaciones memorables. Tras la brillante primera media hora la acción flogea por momentos, pero resulta una película correcta en todos sus aspectos, con geniales interpretaciones y un estilo muy cuidado en la línea ‘Mad men’, todo ello para lucimiento de una fulgurante Carey Mulligan. No fundamental, pero sí altamente recomendable.

¿Una escena de la película? Jenny bajo la lluvia con su violonchelo cuando el elegante coche de David para delante suya y le ofrece llevar su instrumento resguardado, pero no a ella, que supone no subiría en el coche de un desconocido. Sí, al final ella también subió.

Lo reconozco, iba con prejuicios. Las críticas no apuntaban alto y con los 43 millones de dólares que recaudó en Estados Unidos se mascaba la tragedia. Por suerte mantengo mi yo ñoño siempre latente, a la espera de grandes escenas dramáticas y trasfondos llenos de valores, por lo que en lo más profundo de mi ser pensaba sacar algo en limpio. Pues no. Peter Jackson ha logrado adaptar mal una novela dramática y convertirla en un amago de thriller sostenido por algodón de azúcar.

‘The lovely bones’ adapta la novela ‘Desde mi cielo’ de Alice Sebold, que narra las vidas de todos los que rodean a Susie Salmon después de que la niña sea asesinada. Sebold se centra en la evolución de los personajes marcados por la tragedia y aunque la búsqueda del asesino es parte inherente a la historia, nunca es el centro de ella. La escritora, que fue violada a los 19 años, pretende dar una lección de aceptación por encima de la venganza, y aunque no me convenció demasiado el libro, esa era su visión. Tras ver el primer tráiler, y presuponiendo fidelidad a la obra, pensé que el señor Jackson había elegido los escasos momentos de tensión para vender un producto más interesante para el gran público. Pero no, el señor Jackson se ha quedado con esos momentos de tensión para resumir todo el libro, lo que yo considero una violación a la novela de Sebold.

La película en sí, dejando a un lado la novela original, se marca 135 minutos donde el 70% de las tomas (sí, me he inventado la cifra) son primeros planos de Saoirse Ronan. Susie en su cielo, Susie y su gorro de lana, Susie vestida de popstar… Jackson se ha pasado gran parte de la película jugando con la tecnología de Weta Digital para no contar nada con esas imágenes. Pero tranquilos, porque cuando no sabemos contar historias visualmente sale al rescate la voz en off. Odio la voz en off, no porque me desagrade, sino porque la mayor parte de las veces resulta un recurso rápido para dar carpetazo a algo que no se sabe transmitir. Un buen uso de la voz en off lo muestra el maestro Scorsese en ‘Casino’, sin abusar y aportando a la historia. Muchos justificarán su uso porque la novela está escrita desde la visión de Susie, pero en ella narraba la vida de muchas otras personas, lo que disminuye el factor empalago.

Lo único rescatable de ‘The lovely bones’ es Stanley Tucci y las escenas que lo involucran, y es que el malo siempre es lo más interesante de la película. ¿Decepcionada? Más de lo que pensaba. No vale como thriller, no deja ningún mensaje sustancial y para ver fantasía y colorines prefiero a Tim Burton, o echarme una carrera en la Senda del Arco Iris del Mario Kart.

Odio a Ted Mosby. Es pringado, calzonazos, insulso y estoy convencida de que Josh Radnor hace años estaba gordo, lo que no es un problema pero me crea una extraña inquietud. Es el típico personaje sobre el que gira la trama central de una serie y que acaba eclipsado por algún secundario, en este caso Barney y sus trajes. Esta ¿profunda? y desubicada reflexión pretende poner en situación para la siguiente noticia: Josh Radnor, el actor que interpreta a Ted y al que por extensión también odio, se ha llevado el Premio del Público de esta edición de Sundance en la categoría de ficción. Siempre he confiado en los galardones elegidos por el público ya que combinan calidad y accesibilidad a partes iguales, porque al final todo esto del cine se basa en el entretenimiento.

Radnor ha escrito, dirigido y protagonizado ‘Happythankyoumoreplease’ (¡toma ya!), una historia coral sobre jóvenes neoyorquinos que se enfrentan a la madurez, el cinismo actual y al verdadero significado de la amistad y el amor (sinopsis patrocinada por IMDb). El protagonista de la cinta es Sam Wexler, un escritor que lidia con un día especialmente difícil, hasta que se encuentra en el metro a un niño perdido, al que decide llevar a su apartamento y con el que inicia una complicada amistad. El resto de personajes lo forman los amigos de Sam: Annie, cuya imagen personal la aleja de sus compromisos; Charlie y Mary Catherine, una pareja que pondrá a prueba su relación ante un posible traslado; y Mississippi, una camarera por la que se interesará Sam.

Llegados a este punto ya debería tener mi opinión sin fundamento, pero no voy a dejar que el tonto de Ted y mi afán prejuicioso nublen mis esperanzas sobre un proyecto que merece ser tenido en consideración. Por el momento no existe tráiler ya que la cinta no tiene ni distribuidora, esperemos que eso cambie tras su paso por Sundance, así que nos quedamos con su video de presentación en el Festival.

Seguramente más de uno pasará por aquí y no le interesará leerse todo lo anterior, así que os dejo a continuación la lista completa de ganadores. Entre las múltiples galardonadas se encuentra la cinta australiana ‘Animal Kingdom’, vencedora en la categoría de ficción internacional.

PREMIOS DEL JURADO

(USA) Gran Premio del Jurado, ficción: ‘Winter’s Bone’ de Debra Granik
(USA) Gran Premio del Jurado, documental: ‘Restrepo’ de Tim Hetherington & Sebastian Junger
(Internacional) Premio World Cinema, ficción: ‘Animal Kingdom’ de David Michôd
(Internacional) Premio World Cinema, documental: ‘The Red Chapel (Det Røde Kapel)’ de Mads Brügger
The Best of NEXT: ‘Homewrecker’ de Todd Barnes & Brad Barnes
(USA) Premio especial del Jurado, documental: ‘GasLand’ de Josh Fox
(USA) Premio especial del Jurado, ficción: ‘Sympathy for Delicious’ de Mark Ruffalo
(Internacional) Premio Especial World Cinema (documental): ‘Enemies of the People’ de Rob Lemkin & Thet Sambath
Mejor director de fotografía, ficción: Zak Mulligan por ‘Obselidia’
Mejor director de fotografía documental: Al Massad por ‘Recycle’
Premio Waldo Scott al mejor guión: Debra Granik & Anne Rosellini por ‘Winter’s Bone’
Mejor director, ficción: Eric Mendelsohn por ‘3 Backyards’
Mejor director, documental: Leon Gast por ‘Smash His Camera’
Mejor edición, documental: Penelope Falk por ‘Joan Rivers: A Piece of Work’
Premio Alfred P. Sloan a la película sobre ciencia o con un científico, ingeniero o matemático como personaje principal: ‘Obselidia’ de Diane Bell

PREMIOS DEL PÚBLICO

Ficción (USA): ‘HappyThankYouMorePlease’ de Josh Radnor
Documental (USA): ‘Waiting for Superman’ de Davis Guggenheim
Ficción (Internacional): ‘Contracorriente (Undertow)’ de Javier Fuentes-Leõn
Documental (Internacional): ‘Wasteland’ de Lucy Walker

Seamos sinceros, la acción es terreno masculino, y si ya nos metemos en cine bélico la cosa se restringe aún más. Sin embargo, Kathryn Bigelow ha demostrado que tiene más talento que la mayoría para representar la guerra y, de paso, dejar claro que los tiene muy bien puestos. Ni yo soy muy bélica, ni me había interesado nada de la filmografía de esta directora, salvo un cariño infantil que le guardo a ‘Le llaman Bodhi’, pero hoy he tomado la firme decisión de que Bigelow es mi favorita absoluta para llevarse el Oscar a la mejor dirección.

‘En tierra hostil’ narra el día a día de un grupo de artificieros en Irak y desde el primer minuto nos advierten que la guerra es una droga, y esta droga es la adrenalina. Bigelow nos sirve en bandeja el mismo chute que siente James, el temerario cabecilla de la patrulla, cada vez que tiene que desactivar una bomba. Mediante un perfecto uso de la cámara en movimiento la película roza por momentos el tono documental para brindar el realismo necesario a un conflicto tan actual como el de Irak. Mientras en otras cintas se critica el abuso de esta técnica, la directora lo usa con brillantez para conferir el movimiento necesario en los momentos de más tensión y dejarnos sin aliento.

La película me hubiera parecido sublime si se limitara a representar la actividad de este grupo, pero me da la sensación que Bigelow quería decirnos algo más sobre la vida de estos hombres y su evolución en una profesión de alto riesgo. Y esa es mi pequeña pega. Las escenas dramáticas no me han hecho sentir nada por los protagonistas que, a pesar de ofrecer grandes interpretaciones, no importan demasiado al espectador. Puede que parte del problema sea que mi filtro antiyanki se acciona muy rápido, y donde me quieren mostrar la manera de aliviar tensiones cuando te juegas la vida cada segundo, yo sólo veo a tres idiotas dándose puñetazos.

Dejando el drama a un lado, ‘En tierra hostil’ es una enorme película de acción, que te deja pegado al asiento en cada escena mientras brinda dos horas de goce bélico, incluso para los más reacios. Siento que Bigelow tenga que enfrentarse a su ex marido, el todopoderoso Cameron, en los Oscar, porque si fuera por mí ella se llevaría el máximo reconocimiento como directora, lo suyo sí que es entretenimiento del bueno.