Mi relación con ‘Furia de titanes’ ha pasado por varias fases. Cuando empezaron a rodar en el Teide estaba como loca por verla. Después sacaron aquella primera imagen tan oscura, y se me puso la mosca detrás de la oreja. El primer tráiler hizo resonar en mi cabeza la palabra cutre. Y para terminar la faena, la conversión a 3D con el omnipresente Cameron rajando por todos los lados. Llegados a este punto, y con mi animadversión por la tridimensionalidad, había una cosa clara: no iba a pagar 3€ más por amor a Sam Worthington.

La película se centra en Perseo, semidios hijo de Zeus, destinado a matar al Kraken que libera Hades para destruir Argos. Podría decir que es un resumen a grandes rasgos, pero mentiría, ya que el guión no da para mucho más. Este tipo de acción cutre se suele dividir en tres partes: ofensa, violencia a raudales y epílogo. Si una de ellas falla, lo hace toda la película. Para mí, el error de ‘Furia de titanes’ es la ofensa, parte en la que deberían presentarnos a los personajes, explicarnos la trama y permitirnos empatizar con la historia. El señor Louis Leterrier se saca de encima en 10 minutos la introducción para poder recrearse durante la hora restante en todos los seres que le permiten desarrollar los 125 millones de dólares que tiene de presupuesto. Yo llegué a la sala con dos estrechas relaciones formadas con Sam Worthington y Ralph Fiennes, el primero por ser el buenorro del momento y el segundo por ser mi Dios particular, pero ni eso salvó que me importara más bien poco lo que les pasaba a cualquiera de los personajes.

Como los productores ya se olían que esta película no iba de contar una historia, prefirieron entretenernos a base de acción, bastante respetable pero tan vacía como el resto del guión. Lo que más rabia me da es la cantidad de tiempo dedicada a acabar con los escorpiones del desierto y lo rápidamente que pasan por lo más mítico de la historia: Medusa y el Kraken. Pero para cosas rápidas el desenlace, que parecía decir secuela con luces de neón.

Si la cinta no da para más en cuanto a historia, ya no hablemos en cuanto a interpretaciones. Esa rabia cabizbaja de Worthington, tan típica del hermano malo Fiennes en ‘Flashforward’, rompen mis esperanzas de ver en él un gran actor más allá del protagonista de superproducciones.

En general, ‘Furia de titanes’ deja un tufillo de cutrez, capitaneado por las armaduras brillantes de los dioses olímpicos, indigno de una superproducción. Estoy de acuerdo con ahorrar en actores para gastar en efectos especiales, pero ¡contratad un buen guionista!. A pesar de todo, reconozco que se me pasó el tiempo volando, quizá a costa de ir comentando la jugada, o quizá por el odio hacia las cuatro quinceañeras que se reían cuando decían Kraken.

Tarde fría y lluviosa de Semana Santa. Alguna procesión se habrá quedado sin salir a pasear sus inmorales santos, lo que me regocija por dentro. Como los paganos no tenemos que cumplir penitencia, hoy tocó sesión doble de sobremesa. El primer pase fue ‘Luciérnagas en el jardín’, esa película coral con una foto enorme de Julia Roberts a pesar de que es la que menos planos tiene.

La cinta está dirigida por un tal Dennis Lee, al que no conozco de nada, pero que deduzco es amante del drama familiar francés. El debutante debió llegar a una productora con su guión bajo el brazo calcando la típica historia de “familia con secretos reunida por un accidente”, y para darle un toque cultureta lo tituló como un poema de Robert Frost y dijo que estaba basado en él. A alguno de por allí le debió gustar y decidieron aplicar la maniobra Julia, es decir, dedicar el 80% del presupuesto para contratar a la Roberts por 5 minutos en pantalla y ponerla como cabeza de cartel.

Obviamente, todo lo de antes me lo he inventado, pero podría ser una manera de explicar la diferencia entre lo que nos venden y lo que nos encontramos. La película, de verdad, va de un escritor de novelas románticas marcado por la dura infancia con su exigente padre. Tras la trágica muerte de un miembro querido por toda la familia, Lee nos pasea entre presente y pasado para narrar su duelo y contarnos los traumas de Ryan Reynolds. Finalmente ven juntos un video de la fallecida y todos felices. Así sin más, porque en algunos sitios se vende muy barata la redención. Aunque en conjunto la historia hace aguas, hay varias escenas lo suficientemente divertidas y emotivas que merecen ser salvadas, eso sí, por obra y gracia un Reynolds que cada día se maneja mejor en esto de la dramedia.

El segundo plato fue ‘Soul Kitchen’, la nueva película de Fatih Akin, del que ya debería haber visto ‘Contra la pared’. La comedia gira en torno a Zinos, dueño y cocinero de un restaurante tan cool como cutre donde se come a base de fritangas. Cuando su novia se muda a Shangai, y mientras él decide si seguirla, tendrá una hernia discal, buscará un nuevo y minimalista cocinero que no funciona con su clientela habitual, lidiará con su hermano presidiario, revivirá su negocio con un nuevo público y un antiguo compañero de colegio reconvertido en especulador inmobiliario intentará hacerse con su local.

La primera media hora transcurre con ritmo y desarrollando la trama con sentido, para después recaer en muchas situaciones manidas en comedias yankis, ya sean orgías comunales, desafortunados entierros o matones de barrio bajo. La suerte de Akin es que pasa de retratar adolescentes o treintañeros aburguesados, y encuentra en este conjunto de perdedores otra sociedad, con los que es más fácil conectar y que dejan mejor gusto en el paladar. ¿Conclusión? Pasable y a la vez prescindible.

Siempre aspiro a ser una de esas personas que lo anotan todo, y siempre fallo. Lo más frustrante es la ingente cantidad de libretas, bolígrafos y agendas que acumulo por culpa de esta moderna patología conocida como la diógenes de la papelería, cada día más extendida entre el género femenino y sin cura en el horizonte. Un daño colateral de ser despistada fue olvidarme de ‘Paprika, detective de los sueños’, cinta que descubrí hace algo más de 6 meses cuando se rumoreaba que Wolfgang Petersen preparaba su remake. Por suerte para mí, ayer el director de ‘La historia interminable’ ofreció unas declaraciones sobre el proyecto y me dije que no pasaría más tiempo sin verla.

La cinta de animación para adultos se estrenó en 2006, estuvo dirigida por Satoshi Kon (‘Perfect Blue’) y, a su vez, estaba basada en la homónima novela de Yasutaka Tsutsui. La historia gira en torno a un novedoso invento conocido como Mini DC, que permite al que lo lleva introducirse en los sueños de otras personas. El prototipo, todavía en desarrollo, está destinado a revolucionar el campo de la psiquiatría, pero, como no podía ser de otra manera, acaba en manos que no opinan lo mismo. Sin las restricciones necesarias, el aparato permite a su usuario ver los sueños de otro sin necesidad de estar conectado a una máquina de psicoterapia y lo que es aún peor, lograr meterse en sus mentes incluso cuando están despiertos.

‘Paprika’ se divide en dos partes, la de desarrollo y explicación, y la de desenlace y paranoia. Mientras en la primera la concentración es máxima para no perderte en el entramado de la tecnología, la segunda es una explosión onírica que resta sentido a casi todo lo anterior. Lo que se dice una ida de olla. Reconozco que me gustan este tipo de cosas, con sus saltos de realidad a sueño y las paranoias privadas de cada uno, y si encima tiene una trama con cierto sentido es toda una victoria. El problema de ‘Paprika’ es que al llegar la fusión entre los mundos se diluye la fuerza de la historia, dejando paso a las muñecas de porcelana, la variopinta procesión de objetos y la más que rápida eliminación del villano.

A pesar de la desigualdad global se agradece la existencia de una historia, algo de lo que carecía una cinta similar, ‘La celda’, que vendió colorido y perversión como si fueran suficientes para crear una trama. Pero si hay algo que me convenció de ‘Paprika’ fue su banda sonora y esa melodía que te invita a pasear con su protagonista por las fantasias ajenas. Entre las curiosidades de la cinta destacaría las dos referencias a la homosexualidad asociadas a los malos de la historia ¿prejuicios a estas alturas?

La pasada edición de los premios Goya me mostré convencida de que el premio a la mejor dirección novel sería para Álvaro Pastor y Antonio Naharro, responsables de ‘Yo, también’. Mis principales razones eran las buenas críticas y el tratar el síndrome de Down en primera persona, algo que, querramos o no, juega a su favor. Por supuesto, mis vaticinios prejuiciosos sin haber visto todas las nominadas no llegaron a ninguna parte, ya que el premio fue a parar a manos de una señorita llamada Mar Coll, que debutaba con el drama ‘Tres días con la familia’. Ahora, y tras conocer las dos cintas en cuestión, puedo decir que hemos ganado todos y, sobre todo, ha ganado el cine español con el buen gusto de los nuevos cineastas.

‘Tres días con la familia’ nos presenta a Léa, una estudiante que vive en Toulouse y que vuelve a casa para el entierro de su abuelo. La reunión sólo servirá para destapar los rencores de esta, aparente, dichosa familia burguesa catalana. A pesar de recordar en gran medida a la francesa ‘Las horas del verano’, Mar Coll nos ofrece una lección de fondo, forma y, sobre todo, buen gusto. No seré yo quien os desvele la trama, ni tampoco lo será Coll, ya que la acción nos retrata esos tres días de duelo sin artificios, dejándonos ser testigos de sus conversaciones y relaciones, permitiéndonos entablar nuestros propios vínculos con los personajes y encontrar en cada uno de ellos lo que ya conocemos de nuestras propias familias. A pesar de no ser una película excelente, servidora se quedó gratamente sorprendida de un trabajo tan inteligente firmado con sólo 28 años, una clara declaración de intenciones por parte de Mar Coll y un nombre del que estar pendiente en el futuro.

La segunda en discordia es ‘Yo, también’, donde Pablo Pineda casi se interpreta a sí mismo como Daniel, el primer europeo con síndrome de Down con un título universitario. Su llegada al mundo laboral lo llevará a conocer a Laura, compañera y objetivo amoroso, brillantemente interpretada por Lola Dueñas, todo un monstruo de la interpretación. Todas las dificultades de una relación entre ellos sólo son una excusa para explicarnos que el amor, y el sexo, no entienden de cromosomas, y que todas las personas tenemos los mismo impulsos. El drama lo pone Dueñas que, como la misma actriz dice, menuda mala vida le dan a sus personajes. Porque si Daniel ya tuvo que romper suficientes barreras, ahora se encuentra con una aficionada a la noche, los hombres y el alcohol que intenta afrontar su propio trauma familiar. Al igual que la cinta de Coll, ‘Yo, también’ destila buen gusto en todas sus escenas, bañando con un humor amable una situación poco habitual pero con un tema tan universal. Pastor y Naharro podrían habernos manipulado regodeándose en el drama, pero logran un debut notable al preferir dejarnos buen sabor de boca antes que un empacho de tópicos.

¿La conclusión? El cine español tiene una gran cantera, ahora sólo falta que sepamos apreciarla.

Carey Mulligan debutó en 2005 con la versión de ‘Orgullo y prejuicio’ dirigida por Joe Wright, en ella interpretaba a Kitty, una de las insoportables hermanas de Lizzy. Las menores de la familia Bennet son dos de los personajes más odiados de la literatura, sus estúpidas risitas nos sacaron de quicio a todos, pero lo peor es que la mayoría fuimos así en alguna ocasión. Cinco años después tenemos a una Carey Mulligan más crecidita, nominada al Oscar e interpretando a otra adolescente.

En ‘An education’ Mulligan da vida a Jenny, una inteligente estudiante de 16 años cuya única determinación en la vida es estudiar en Oxford, o más bien esa es la idea de su padre. Ella sueña con viajar a Paris e impregnarse del arte y la cultura de la ciudad de la luz. ¿Y qué pasa con toda adolescente bien encaminada por sus padres? Un chico. En este caso un hombre, David, un elegante y embaucador vividor que puede convertir todos los sueños de Jenny en realidad. Sin embargo, nada es lo que parece y la vida dorada que ponen en bandeja a la joven no resulta tan reluciente cuando se está dentro de ella.

Lo especial de Jenny no es que sea una chica lista, sino que es una chica espabilada, tal y como demuestra en las conversaciones con su padre, un brillante Alfred Molina. Pero por muy inteligente que seas ¿quién diría que no a una vida de cultura y glamour? Mulligan interpreta a la perfección a la adolescente de respuestas incisivas, la cándida niña en un mundo fuera de sus posibilidades y la desengañada mujer que por las malas aprenderá a usar su cabeza, por encima del corazón.

‘An education’ no ha cumplido todas mis expectativas, ya que teniendo como guionista a Nick Hornby, escritor de las novelas en que se basan ‘Alta fidelidad’ y ‘Un niño grande’, eran de esperar más conversaciones memorables. Tras la brillante primera media hora la acción flogea por momentos, pero resulta una película correcta en todos sus aspectos, con geniales interpretaciones y un estilo muy cuidado en la línea ‘Mad men’, todo ello para lucimiento de una fulgurante Carey Mulligan. No fundamental, pero sí altamente recomendable.

¿Una escena de la película? Jenny bajo la lluvia con su violonchelo cuando el elegante coche de David para delante suya y le ofrece llevar su instrumento resguardado, pero no a ella, que supone no subiría en el coche de un desconocido. Sí, al final ella también subió.

Lo reconozco, iba con prejuicios. Las críticas no apuntaban alto y con los 43 millones de dólares que recaudó en Estados Unidos se mascaba la tragedia. Por suerte mantengo mi yo ñoño siempre latente, a la espera de grandes escenas dramáticas y trasfondos llenos de valores, por lo que en lo más profundo de mi ser pensaba sacar algo en limpio. Pues no. Peter Jackson ha logrado adaptar mal una novela dramática y convertirla en un amago de thriller sostenido por algodón de azúcar.

‘The lovely bones’ adapta la novela ‘Desde mi cielo’ de Alice Sebold, que narra las vidas de todos los que rodean a Susie Salmon después de que la niña sea asesinada. Sebold se centra en la evolución de los personajes marcados por la tragedia y aunque la búsqueda del asesino es parte inherente a la historia, nunca es el centro de ella. La escritora, que fue violada a los 19 años, pretende dar una lección de aceptación por encima de la venganza, y aunque no me convenció demasiado el libro, esa era su visión. Tras ver el primer tráiler, y presuponiendo fidelidad a la obra, pensé que el señor Jackson había elegido los escasos momentos de tensión para vender un producto más interesante para el gran público. Pero no, el señor Jackson se ha quedado con esos momentos de tensión para resumir todo el libro, lo que yo considero una violación a la novela de Sebold.

La película en sí, dejando a un lado la novela original, se marca 135 minutos donde el 70% de las tomas (sí, me he inventado la cifra) son primeros planos de Saoirse Ronan. Susie en su cielo, Susie y su gorro de lana, Susie vestida de popstar… Jackson se ha pasado gran parte de la película jugando con la tecnología de Weta Digital para no contar nada con esas imágenes. Pero tranquilos, porque cuando no sabemos contar historias visualmente sale al rescate la voz en off. Odio la voz en off, no porque me desagrade, sino porque la mayor parte de las veces resulta un recurso rápido para dar carpetazo a algo que no se sabe transmitir. Un buen uso de la voz en off lo muestra el maestro Scorsese en ‘Casino’, sin abusar y aportando a la historia. Muchos justificarán su uso porque la novela está escrita desde la visión de Susie, pero en ella narraba la vida de muchas otras personas, lo que disminuye el factor empalago.

Lo único rescatable de ‘The lovely bones’ es Stanley Tucci y las escenas que lo involucran, y es que el malo siempre es lo más interesante de la película. ¿Decepcionada? Más de lo que pensaba. No vale como thriller, no deja ningún mensaje sustancial y para ver fantasía y colorines prefiero a Tim Burton, o echarme una carrera en la Senda del Arco Iris del Mario Kart.

Seamos sinceros, la acción es terreno masculino, y si ya nos metemos en cine bélico la cosa se restringe aún más. Sin embargo, Kathryn Bigelow ha demostrado que tiene más talento que la mayoría para representar la guerra y, de paso, dejar claro que los tiene muy bien puestos. Ni yo soy muy bélica, ni me había interesado nada de la filmografía de esta directora, salvo un cariño infantil que le guardo a ‘Le llaman Bodhi’, pero hoy he tomado la firme decisión de que Bigelow es mi favorita absoluta para llevarse el Oscar a la mejor dirección.

‘En tierra hostil’ narra el día a día de un grupo de artificieros en Irak y desde el primer minuto nos advierten que la guerra es una droga, y esta droga es la adrenalina. Bigelow nos sirve en bandeja el mismo chute que siente James, el temerario cabecilla de la patrulla, cada vez que tiene que desactivar una bomba. Mediante un perfecto uso de la cámara en movimiento la película roza por momentos el tono documental para brindar el realismo necesario a un conflicto tan actual como el de Irak. Mientras en otras cintas se critica el abuso de esta técnica, la directora lo usa con brillantez para conferir el movimiento necesario en los momentos de más tensión y dejarnos sin aliento.

La película me hubiera parecido sublime si se limitara a representar la actividad de este grupo, pero me da la sensación que Bigelow quería decirnos algo más sobre la vida de estos hombres y su evolución en una profesión de alto riesgo. Y esa es mi pequeña pega. Las escenas dramáticas no me han hecho sentir nada por los protagonistas que, a pesar de ofrecer grandes interpretaciones, no importan demasiado al espectador. Puede que parte del problema sea que mi filtro antiyanki se acciona muy rápido, y donde me quieren mostrar la manera de aliviar tensiones cuando te juegas la vida cada segundo, yo sólo veo a tres idiotas dándose puñetazos.

Dejando el drama a un lado, ‘En tierra hostil’ es una enorme película de acción, que te deja pegado al asiento en cada escena mientras brinda dos horas de goce bélico, incluso para los más reacios. Siento que Bigelow tenga que enfrentarse a su ex marido, el todopoderoso Cameron, en los Oscar, porque si fuera por mí ella se llevaría el máximo reconocimiento como directora, lo suyo sí que es entretenimiento del bueno.

Un mes después de estrenarse en Estados Unidos llega a nuestras pantallas ‘Up in the air’, justo a tiempo para llegar a los Oscar. Ya es todo un clásico de principio de año que lleguen en manada las películas menos comerciales pero más reconocidas en las entregas de premios. Hasta la gala que tendrá lugar el 7 de marzo se estrenarán ‘Invictus’ y ‘El tierra hostil’ (29 de enero); ‘La carretera’ y ‘Precious’ (5 de febrero); ‘A single man’ (12 de febrero); y ‘The lovely bones’, ‘Un profeta’ y ‘An education’ (26 de febrero).

Hoy le toca el turno a la nueva película de Jason Reitman, el fantástico director de ‘Gracias por fumar’ y ‘Juno’ que repite fórmula con el respaldo de un gran presupuesto. No se puede decir que 25 millones dólares sea una gran cantidad teniendo en cuenta los 500 que se especula que ha costado ‘Avatar’, pero frente a los 6.5 y 7.5 millones de sus dos anteriores cintas es todo un progreso. Reitman nos ofrece comedia, drama y moral a partes iguales en la historia de Ryan Bingham, un hombre que se pasa la vida viajando y despidiendo a los trabajadores cuyos jefes no tienen valor para hacerlo.

El director vuelve a concentrar el peso de la película en sus personajes, sus diálogos y su desarrollo, y para ello nada mejor que el soberbio trío protagonista. Como cabeza de cartel está un brillante George Clooney que ha encontrado en la humanidad de Bingham uno de los mejores papeles de su carrera, interpretando al dedillo el viaje emocional de este hombre independiente y seguro de sí mismo que parecía incapaz de conectar y dar algo por otra persona. La elegida es Vera Farmiga, otra viajera habitual en la que encuentra su alma gemela y con la que nos ofrece los mejores momentos de la película. Las escenas que comparten ambos actores destacan sobre el resto con una naturalidad y una química abrumadoras. La tercera en discordia es la crepusculiana Anna Kendrik, que vive su propio viaje emocional desde la chica que cree saber mucho de la vida y las personas, pero que finalmente descubrirá que cara a cara las cosas son distintas.

Reitman vuelve a meterse con un tema peliagudo con un personaje que se dedica a destrozar la vida de otras personas, pero su visión tragicómica y mordaz le sirve para ensalzar por encima de todo la necesidad de las relaciones humanas. La soledad y frialdad del mundo empresarial es paralela a la de las personas, que limitamos nuestras relaciones, ya sea por miedo o porque nos resulta más fácil no depender de nadie y no llevar peso en la mochila. Al final todos, como Bingham, descubrimos que la vida es mejor con la compañía adecuada. Lo difícil es encontrarla.

Para versionar en condiciones una canción es necesario sacarla de su terreno, encontrarle un nuevo sonido y redefinirla por completo. De lo contrario, no sería más que una burda imitación. Cuando oí que el señor Guy Ritchie llevaría a la gran pantalla el célebre personaje de Conan Doyle, mis glándulas salivales empezaron a hacer su trabajo al imaginarme qué podría hacer con ‘Sherlock Holmes’ el tío que parió ‘Lock & Stock’ y ‘Snatch’.

En esta primera entrega, porque la secuela ya ha recibido luz verde, Holmes y Watson se enfrentan a Lord Blackwood, un adorador de Satán cuyos trucos no servirán ante la perspicacia del investigador. El personaje principal recae en Robert Downey Jr., que da vida a un Holmes cómico y de lo más expresivo encargado de proporcionar el 100% de las carcajadas de la película. Junto a él está Jude Law, que pasa de médico y cronista de las aventuras de Holmes, a experto en el dominio de la espada. He de reconocer que no puedo con Law, ni como actor ni como símbolo sexual, por lo que no soy objetiva al decir que su interpretación es prescindible del todo. Me alegra que dejen de lado el Watson pringadillo de ‘El secreto de la pirámide’, pero en su afán por darle sobriedad al personaje acaba limitado a ser el trampolín de los gags de Holmes.

El personaje femenino viene interpretado por Rachel ‘la sosa’ McAdams, una tía que por algún extraño motivo me cae bien, pero que me aburre en casi todos sus papeles. Si yo fuera su agente le recomendaría volver al rollo ‘Chicas malas’, donde parece tener más sangre en las venas frente a dramillas como ‘El diario de Noa’. Finalmente, el malo de la película recae en Mark Strong, un gran actor que empieza a tener el reconocimiento que se merece pero que aquí carece de interés, el maloso engominado y de frente baja ya está muy visto.

La firma de Ritchie se nota desde la primera toma: voz en off y pelea. Por muchas veces que lo haya visto me siguen encantando sus puñetazos a cámara lenta. Sin embargo, su presencia prácticamente acaba ahí, porque esto es un blockbuster señores, nada de buenos diálogos, mejor un par de chistes malos y previsibles y mucha acción. Por suerte, Downey se encarga con total eficiencia de proporcionarnos periódicas carcajadas, convirtiéndose en lo poco destacable de la película, con otro personaje de carácter para su galería.

En definitiva, ‘Sherlock Holmes’ me ha resultado entretenida, pero muy simplona, sin grandes efectos ni imágenes y con momentos en que pierde ritmo y en los que sólo esperas que den alguna pista sobre el profesor Moriarty. La nota de calidad la dan los créditos finales, no perdimos del todo a Ritchie.

En 1999 un tal Sam Mendes debutaba en la gran pantalla con ‘American beauty’, una corrosiva visión de la vida americana que no sé definir más que con sublime, genial y fundamental. Y así, con su primer largometraje para el cine Mendes se llevó el Oscar al mejor director, totalmente merecido. Tras ella llegaron ‘Camino a la perdición’, ‘Jarhead’ y ‘Revolutionary Road’, dignas sucesoras para formar una gran filmografía, pero no tan indispensables como la primera.

El año pasado Mendes decidió que quería hacer una cinta de bajo presupuesto, por lo que se montó ‘Un lugar donde quedarse’, una road movie sobre la búsqueda de un hogar por parte de unos futuros padres primerizos, que visitarán a sus variopintos conocidos tratando de descubrir qué tipo de padres ser y donde establecerse. Los papeles protagonistas recaen en John Krasinski y Maya Rudolph. Él interpreta a la perfección el prototipo de buenazo, entusiasmado con ser padre y ligeramente infantil. Mientras que ella, algo más áspera, acumula todas las preocupaciones sobre ser madre. Aunque no tengo ningún problema con la pareja de intérpretes, no me creo a la pareja de ficción. Ella resulta tan fría y contenida que no logra transmitir amor ni en su mirada.

En el viaje de los protagonistas Mendes les muestras que padres ser, y cuales no, con varios forzados estereotipos familiares para movernos entre la comedia y el drama a partes iguales. Mientras tanto, el director recurre a escenas con la pareja rígida como una piedra para darle el toque trascendental a la película ¿a estas alturas con estas tonterías Sam?

En definitiva, la palabra que define ‘Un lugar donde quedarse’ es fiasco. Bajo la firma de Mendes me esperaba un poco más de alma, alguna imagen en la que recrearse y no una cinta que además de modesta en presupuesto también lo es en ideas.

¿La imagen de la película? La siempre sorprendente Maggie Gyllenhaal como la espiritual y mística LN.