Mi relación con ‘Furia de titanes’ ha pasado por varias fases. Cuando empezaron a rodar en el Teide estaba como loca por verla. Después sacaron aquella primera imagen tan oscura, y se me puso la mosca detrás de la oreja. El primer tráiler hizo resonar en mi cabeza la palabra cutre. Y para terminar la faena, la conversión a 3D con el omnipresente Cameron rajando por todos los lados. Llegados a este punto, y con mi animadversión por la tridimensionalidad, había una cosa clara: no iba a pagar 3€ más por amor a Sam Worthington.

La película se centra en Perseo, semidios hijo de Zeus, destinado a matar al Kraken que libera Hades para destruir Argos. Podría decir que es un resumen a grandes rasgos, pero mentiría, ya que el guión no da para mucho más. Este tipo de acción cutre se suele dividir en tres partes: ofensa, violencia a raudales y epílogo. Si una de ellas falla, lo hace toda la película. Para mí, el error de ‘Furia de titanes’ es la ofensa, parte en la que deberían presentarnos a los personajes, explicarnos la trama y permitirnos empatizar con la historia. El señor Louis Leterrier se saca de encima en 10 minutos la introducción para poder recrearse durante la hora restante en todos los seres que le permiten desarrollar los 125 millones de dólares que tiene de presupuesto. Yo llegué a la sala con dos estrechas relaciones formadas con Sam Worthington y Ralph Fiennes, el primero por ser el buenorro del momento y el segundo por ser mi Dios particular, pero ni eso salvó que me importara más bien poco lo que les pasaba a cualquiera de los personajes.

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Tarde fría y lluviosa de Semana Santa. Alguna procesión se habrá quedado sin salir a pasear sus inmorales santos, lo que me regocija por dentro. Como los paganos no tenemos que cumplir penitencia, hoy tocó sesión doble de sobremesa. El primer pase fue ‘Luciérnagas en el jardín’, esa película coral con una foto enorme de Julia Roberts a pesar de que es la que menos planos tiene.

La cinta está dirigida por un tal Dennis Lee, al que no conozco de nada, pero que deduzco es amante del drama familiar francés. El debutante debió llegar a una productora con su guión bajo el brazo calcando la típica historia de “familia con secretos reunida por un accidente”, y para darle un toque cultureta lo tituló como un poema de Robert Frost y dijo que estaba basado en él. A alguno de por allí le debió gustar y decidieron aplicar la maniobra Julia, es decir, dedicar el 80% del presupuesto para contratar a la Roberts por 5 minutos en pantalla y ponerla como cabeza de cartel.

Obviamente, todo lo de antes me lo he inventado, pero podría ser una manera de explicar la diferencia entre lo que nos venden y lo que nos encontramos. La película, de verdad, va de un escritor de novelas románticas marcado por la dura infancia con su exigente padre. Tras la trágica muerte de un miembro querido por toda la familia, Lee nos pasea entre presente y pasado para narrar su duelo y contarnos los traumas de Ryan Reynolds. Finalmente ven juntos un video de la fallecida y todos felices. Así sin más, porque en algunos sitios se vende muy barata la redención. Aunque en conjunto la historia hace aguas, hay varias escenas lo suficientemente divertidas y emotivas que merecen ser salvadas, eso sí, por obra y gracia un Reynolds que cada día se maneja mejor en esto de la dramedia.

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Siempre aspiro a ser una de esas personas que lo anotan todo, y siempre fallo. Lo más frustrante es la ingente cantidad de libretas, bolígrafos y agendas que acumulo por culpa de esta moderna patología conocida como la diógenes de la papelería, cada día más extendida entre el género femenino y sin cura en el horizonte. Un daño colateral de ser despistada fue olvidarme de ‘Paprika, detective de los sueños’, cinta que descubrí hace algo más de 6 meses cuando se rumoreaba que Wolfgang Petersen preparaba su remake. Por suerte para mí, ayer el director de ‘La historia interminable’ ofreció unas declaraciones sobre el proyecto y me dije que no pasaría más tiempo sin verla.

La cinta de animación para adultos se estrenó en 2006, estuvo dirigida por Satoshi Kon (‘Perfect Blue’) y, a su vez, estaba basada en la homónima novela de Yasutaka Tsutsui. La historia gira en torno a un novedoso invento conocido como Mini DC, que permite al que lo lleva introducirse en los sueños de otras personas. El prototipo, todavía en desarrollo, está destinado a revolucionar el campo de la psiquiatría, pero, como no podía ser de otra manera, acaba en manos que no opinan lo mismo. Sin las restricciones necesarias, el aparato permite a su usuario ver los sueños de otro sin necesidad de estar conectado a una máquina de psicoterapia y lo que es aún peor, lograr meterse en sus mentes incluso cuando están despiertos.

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La pasada edición de los premios Goya me mostré convencida de que el premio a la mejor dirección novel sería para Álvaro Pastor y Antonio Naharro, responsables de ‘Yo, también’. Mis principales razones eran las buenas críticas y el tratar el síndrome de Down en primera persona, algo que, querramos o no, juega a su favor. Por supuesto, mis vaticinios prejuiciosos sin haber visto todas las nominadas no llegaron a ninguna parte, ya que el premio fue a parar a manos de una señorita llamada Mar Coll, que debutaba con el drama ‘Tres días con la familia’. Ahora, y tras conocer las dos cintas en cuestión, puedo decir que hemos ganado todos y, sobre todo, ha ganado el cine español con el buen gusto de los nuevos cineastas.

‘Tres días con la familia’ nos presenta a Léa, una estudiante que vive en Toulouse y que vuelve a casa para el entierro de su abuelo. La reunión sólo servirá para destapar los rencores de esta, aparente, dichosa familia burguesa catalana. A pesar de recordar en gran medida a la francesa ‘Las horas del verano’, Mar Coll nos ofrece una lección de fondo, forma y, sobre todo, buen gusto. No seré yo quien os desvele la trama, ni tampoco lo será Coll, ya que la acción nos retrata esos tres días de duelo sin artificios, dejándonos ser testigos de sus conversaciones y relaciones, permitiéndonos entablar nuestros propios vínculos con los personajes y encontrar en cada uno de ellos lo que ya conocemos de nuestras propias familias. A pesar de no ser una película excelente, servidora se quedó gratamente sorprendida de un trabajo tan inteligente firmado con sólo 28 años, una clara declaración de intenciones por parte de Mar Coll y un nombre del que estar pendiente en el futuro.

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Carey Mulligan debutó en 2005 con la versión de ‘Orgullo y prejuicio’ dirigida por Joe Wright, en ella interpretaba a Kitty, una de las insoportables hermanas de Lizzy. Las menores de la familia Bennet son dos de los personajes más odiados de la literatura, sus estúpidas risitas nos sacaron de quicio a todos, pero lo peor es que la mayoría fuimos así en alguna ocasión. Cinco años después tenemos a una Carey Mulligan más crecidita, nominada al Oscar e interpretando a otra adolescente.

En ‘An education’ Mulligan da vida a Jenny, una inteligente estudiante de 16 años cuya única determinación en la vida es estudiar en Oxford, o más bien esa es la idea de su padre. Ella sueña con viajar a Paris e impregnarse del arte y la cultura de la ciudad de la luz. ¿Y qué pasa con toda adolescente bien encaminada por sus padres? Un chico. En este caso un hombre, David, un elegante y embaucador vividor que puede convertir todos los sueños de Jenny en realidad. Sin embargo, nada es lo que parece y la vida dorada que ponen en bandeja a la joven no resulta tan reluciente cuando se está dentro de ella.

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Lo reconozco, iba con prejuicios. Las críticas no apuntaban alto y con los 43 millones de dólares que recaudó en Estados Unidos se mascaba la tragedia. Por suerte mantengo mi yo ñoño siempre latente, a la espera de grandes escenas dramáticas y trasfondos llenos de valores, por lo que en lo más profundo de mi ser pensaba sacar algo en limpio. Pues no. Peter Jackson ha logrado adaptar mal una novela dramática y convertirla en un amago de thriller sostenido por algodón de azúcar.

‘The lovely bones’ adapta la novela ‘Desde mi cielo’ de Alice Sebold, que narra las vidas de todos los que rodean a Susie Salmon después de que la niña sea asesinada. Sebold se centra en la evolución de los personajes marcados por la tragedia y aunque la búsqueda del asesino es parte inherente a la historia, nunca es el centro de ella. La escritora, que fue violada a los 19 años, pretende dar una lección de aceptación por encima de la venganza, y aunque no me convenció demasiado el libro, esa era su visión. Tras ver el primer tráiler, y presuponiendo fidelidad a la obra, pensé que el señor Jackson había elegido los escasos momentos de tensión para vender un producto más interesante para el gran público. Pero no, el señor Jackson se ha quedado con esos momentos de tensión para resumir todo el libro, lo que yo considero una violación a la novela de Sebold.

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Seamos sinceros, la acción es terreno masculino, y si ya nos metemos en cine bélico la cosa se restringe aún más. Sin embargo, Kathryn Bigelow ha demostrado que tiene más talento que la mayoría para representar la guerra y, de paso, dejar claro que los tiene muy bien puestos. Ni yo soy muy bélica, ni me había interesado nada de la filmografía de esta directora, salvo un cariño infantil que le guardo a ‘Le llaman Bodhi’, pero hoy he tomado la firme decisión de que Bigelow es mi favorita absoluta para llevarse el Oscar a la mejor dirección.

‘En tierra hostil’ narra el día a día de un grupo de artificieros en Irak y desde el primer minuto nos advierten que la guerra es una droga, y esta droga es la adrenalina. Bigelow nos sirve en bandeja el mismo chute que siente James, el temerario cabecilla de la patrulla, cada vez que tiene que desactivar una bomba. Mediante un perfecto uso de la cámara en movimiento la película roza por momentos el tono documental para brindar el realismo necesario a un conflicto tan actual como el de Irak. Mientras en otras cintas se critica el abuso de esta técnica, la directora lo usa con brillantez para conferir el movimiento necesario en los momentos de más tensión y dejarnos sin aliento.

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Un mes después de estrenarse en Estados Unidos llega a nuestras pantallas ‘Up in the air’, justo a tiempo para llegar a los Oscar. Ya es todo un clásico de principio de año que lleguen en manada las películas menos comerciales pero más reconocidas en las entregas de premios. Hasta la gala que tendrá lugar el 7 de marzo se estrenarán ‘Invictus’ y ‘El tierra hostil’ (29 de enero); ‘La carretera’ y ‘Precious’ (5 de febrero); ‘A single man’ (12 de febrero); y ‘The lovely bones’, ‘Un profeta’ y ‘An education’ (26 de febrero).

Hoy le toca el turno a la nueva película de Jason Reitman, el fantástico director de ‘Gracias por fumar’ y ‘Juno’ que repite fórmula con el respaldo de un gran presupuesto. No se puede decir que 25 millones dólares sea una gran cantidad teniendo en cuenta los 500 que se especula que ha costado ‘Avatar’, pero frente a los 6.5 y 7.5 millones de sus dos anteriores cintas es todo un progreso. Reitman nos ofrece comedia, drama y moral a partes iguales en la historia de Ryan Bingham, un hombre que se pasa la vida viajando y despidiendo a los trabajadores cuyos jefes no tienen valor para hacerlo.

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Para versionar en condiciones una canción es necesario sacarla de su terreno, encontrarle un nuevo sonido y redefinirla por completo. De lo contrario, no sería más que una burda imitación. Cuando oí que el señor Guy Ritchie llevaría a la gran pantalla el célebre personaje de Conan Doyle, mis glándulas salivales empezaron a hacer su trabajo al imaginarme qué podría hacer con ‘Sherlock Holmes’ el tío que parió ‘Lock & Stock’ y ‘Snatch’.

En esta primera entrega, porque la secuela ya ha recibido luz verde, Holmes y Watson se enfrentan a Lord Blackwood, un adorador de Satán cuyos trucos no servirán ante la perspicacia del investigador. El personaje principal recae en Robert Downey Jr., que da vida a un Holmes cómico y de lo más expresivo encargado de proporcionar el 100% de las carcajadas de la película. Junto a él está Jude Law, que pasa de médico y cronista de las aventuras de Holmes, a experto en el dominio de la espada. He de reconocer que no puedo con Law, ni como actor ni como símbolo sexual, por lo que no soy objetiva al decir que su interpretación es prescindible del todo. Me alegra que dejen de lado el Watson pringadillo de ‘El secreto de la pirámide’, pero en su afán por darle sobriedad al personaje acaba limitado a ser el trampolín de los gags de Holmes.

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En 1999 un tal Sam Mendes debutaba en la gran pantalla con ‘American beauty’, una corrosiva visión de la vida americana que no sé definir más que con sublime, genial y fundamental. Y así, con su primer largometraje para el cine Mendes se llevó el Oscar al mejor director, totalmente merecido. Tras ella llegaron ‘Camino a la perdición’, ‘Jarhead’ y ‘Revolutionary Road’, dignas sucesoras para formar una gran filmografía, pero no tan indispensables como la primera.

El año pasado Mendes decidió que quería hacer una cinta de bajo presupuesto, por lo que se montó ‘Un lugar donde quedarse’, una road movie sobre la búsqueda de un hogar por parte de unos futuros padres primerizos, que visitarán a sus variopintos conocidos tratando de descubrir qué tipo de padres ser y donde establecerse. Los papeles protagonistas recaen en John Krasinski y Maya Rudolph. Él interpreta a la perfección el prototipo de buenazo, entusiasmado con ser padre y ligeramente infantil. Mientras que ella, algo más áspera, acumula todas las preocupaciones sobre ser madre. Aunque no tengo ningún problema con la pareja de intérpretes, no me creo a la pareja de ficción. Ella resulta tan fría y contenida que no logra transmitir amor ni en su mirada.

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A sus 73 años, Ken Loach tiene muy claras dos cosas: lo suyo es el cine social y no hay mejor lugar para presentarlo que en su propia casa. Eso sí, la casa de Loach es Cannes. Así que el director se plantó un año más en el certamen con su cinta ambientada en un barrio bajo inglés y acompañado, nada más y nada menos, que por el futbolista Éric Cantona, esta vez con las solapas bajadas.

‘Buscando a Eric’ no va sobre Cantona, sino sobre Eric Bishop, un cartero en crisis desde que lo abandonó su segunda esposa dejándolo al cargo de sus dos hijastros. Su mala racha se intensifica al volver a su vida su primera mujer, de la que continúa enamorado y a la que abandonó por un ataque de pánico. Mientras tanto uno de sus hijos se dedica a juntarse con los matones del barrio, lo que complicará la vida del propio Eric cuando el joven quiera romper con sus malas compañías.

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Libros sobre escritores y películas sobre cine son dos temáticas que siempre me interesan. Si a la segunda le sumas Robert De Niro, Cannes, Sean Penn, rodajes y John Turturro ya parece algo redondo, o al menos eso pensé yo la primera vez que oí hablar de esta película sobre las aventuras de un productor de Hollywood. Para acabar de formarme una imagen preconcebida me entero que tras las cámaras se pone Barry Levinson, algo que principalmente me inquieta, ya que es capaz de hacer cosas que me encantan (’El secreto de la pirámide’, ‘La cortina de humo’) y otras que me repelen (’Acoso’, ‘Esfera’).

‘Algo pasa en Hollywood’ nos presenta a Ben, un productor de Hollywood que se dedica a lidiar entre directores, estudios y estrellas. El papel es interpretado por un Robert De Niro más desganado de lo que es habitual y que tras verlo en calzoncillos no me hizo pensar más que en si Max Cady se nos estará haciendo viejo. El glamour hollywoodiense de Ben pasa por levantarse en su nueva casa post divorcio, llevar al colegio a los hijos de cada uno de sus matrimonios y hacerse a la idea de que su ex mujer ya está con otro.

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Este fin de semana la cartelera ha celebrado mi fin de exámenes estrenando la película que cambiará el rumbo del cine, ‘Avatar’, y el tercer largometraje de mi queridísimo Spike Jonze, ‘Donde viven los monstruos’. ¿Una locura estrenar el mismo día que ‘Avatar’? Puede ser, pero las salas llenas de Cameron seguro que filtraron más de un espectador.

El viernes nos fuimos a ver ‘Avatar’, que con el frío que hace mejor que esté la sala llenita. He de decir que salí razonablemente satisfecha, ya que todo lo que tiene de predecible también lo tiene de entretenida, y 161 minutos son muchos minutos. La película se podría dividir en dos partes: la tecnología y la trama. En la primera, el señor Cameron nos presenta Pandora, con sus lucecitas y animalitos, y nos demuestra que es en 3D: ahora te apunto con una flecha, después te tiro una pelota de golf, cuidado que muevo la cabina de Sam Worthington… Ya en la segunda viene el grueso de la historia, donde Cameron el escritor nos confirma que se leyó bien el manual de hacer guiones. No se deja ni un detalle: la traición, el discursito motivacional, los gritos de guerra, la llamada a otros clanes, la llegada de los Rohirrim… Eso sí, con un par de simples cambios podía haberle dado algo de drama al final y no lavarse las manos en cinco minutos a correr, que es el regustillo que deja.

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Juan José Campanella dirigió ‘El hijo de la novia’, lo que debería ser presentación suficiente para contar con nuestro favor personal. En aquella ocasión la película estuvo nominada al Oscar a la mejor película de habla no inglesa, este año vuelve a ser elegido para representar a Argentina con ‘El secreto de sus ojos’.

La cinta está basada en la novela ‘La pregunta de sus ojos’ de Eduardo Sacheri y nos presenta Benjamín Espósito, un retirado secretario de un juzgado que decide escribir una novela sobre uno de los casos que vivió 25 años antes. Campanella nos traslada a los años 70 a la vez que Espósito escribe su obra, narrándonos el brutal asesinato de Liliana Coloto, la búsqueda del culpable y cómo las difíciles circunstancias hacen que quede libre.
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La premisa general del cine de terror es sencilla: dar miedo. Conseguirlo ya es más difícil. En los tiempos que corren, y con una sociedad cada día más escéptica, la mejor manera de acojonar al público es con lo que no vemos. Eso debe ser lo que pensó Oren Peli cuando decidió juntar quince mil dólares, alquilar una cámara y montarse Paranormal Activity, una de las películas más rentables de la historia.

La cinta de Peli gira alrededor de una pareja y el ente sobrenatural que los acecha. Él va de tontito yanki y ella es la cachonda de grandes pechos, los clichés que no falten. Junto a todos ellos está la omnipresente cámara de video con la que el director ha pretendido “llegar al público” y que, para mí, es el mayor error de la película. A mí me encanta el formato casero, pero no es lógico que si tu novia ha desaparecido en tu casa encantada te dediques a buscarla y hablarle cámara en hombro. Si llegados a este punto no nos creemos la historia difícilmente conectaremos con ella.

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