Mi relación con ‘Furia de titanes’ ha pasado por varias fases. Cuando empezaron a rodar en el Teide estaba como loca por verla. Después sacaron aquella primera imagen tan oscura, y se me puso la mosca detrás de la oreja. El primer tráiler hizo resonar en mi cabeza la palabra cutre. Y para terminar la faena, la conversión a 3D con el omnipresente Cameron rajando por todos los lados. Llegados a este punto, y con mi animadversión por la tridimensionalidad, había una cosa clara: no iba a pagar 3€ más por amor a Sam Worthington.

La película se centra en Perseo, semidios hijo de Zeus, destinado a matar al Kraken que libera Hades para destruir Argos. Podría decir que es un resumen a grandes rasgos, pero mentiría, ya que el guión no da para mucho más. Este tipo de acción cutre se suele dividir en tres partes: ofensa, violencia a raudales y epílogo. Si una de ellas falla, lo hace toda la película. Para mí, el error de ‘Furia de titanes’ es la ofensa, parte en la que deberían presentarnos a los personajes, explicarnos la trama y permitirnos empatizar con la historia. El señor Louis Leterrier se saca de encima en 10 minutos la introducción para poder recrearse durante la hora restante en todos los seres que le permiten desarrollar los 125 millones de dólares que tiene de presupuesto. Yo llegué a la sala con dos estrechas relaciones formadas con Sam Worthington y Ralph Fiennes, el primero por ser el buenorro del momento y el segundo por ser mi Dios particular, pero ni eso salvó que me importara más bien poco lo que les pasaba a cualquiera de los personajes.

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Tarde fría y lluviosa de Semana Santa. Alguna procesión se habrá quedado sin salir a pasear sus inmorales santos, lo que me regocija por dentro. Como los paganos no tenemos que cumplir penitencia, hoy tocó sesión doble de sobremesa. El primer pase fue ‘Luciérnagas en el jardín’, esa película coral con una foto enorme de Julia Roberts a pesar de que es la que menos planos tiene.

La cinta está dirigida por un tal Dennis Lee, al que no conozco de nada, pero que deduzco es amante del drama familiar francés. El debutante debió llegar a una productora con su guión bajo el brazo calcando la típica historia de “familia con secretos reunida por un accidente”, y para darle un toque cultureta lo tituló como un poema de Robert Frost y dijo que estaba basado en él. A alguno de por allí le debió gustar y decidieron aplicar la maniobra Julia, es decir, dedicar el 80% del presupuesto para contratar a la Roberts por 5 minutos en pantalla y ponerla como cabeza de cartel.

Obviamente, todo lo de antes me lo he inventado, pero podría ser una manera de explicar la diferencia entre lo que nos venden y lo que nos encontramos. La película, de verdad, va de un escritor de novelas románticas marcado por la dura infancia con su exigente padre. Tras la trágica muerte de un miembro querido por toda la familia, Lee nos pasea entre presente y pasado para narrar su duelo y contarnos los traumas de Ryan Reynolds. Finalmente ven juntos un video de la fallecida y todos felices. Así sin más, porque en algunos sitios se vende muy barata la redención. Aunque en conjunto la historia hace aguas, hay varias escenas lo suficientemente divertidas y emotivas que merecen ser salvadas, eso sí, por obra y gracia un Reynolds que cada día se maneja mejor en esto de la dramedia.

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Siempre aspiro a ser una de esas personas que lo anotan todo, y siempre fallo. Lo más frustrante es la ingente cantidad de libretas, bolígrafos y agendas que acumulo por culpa de esta moderna patología conocida como la diógenes de la papelería, cada día más extendida entre el género femenino y sin cura en el horizonte. Un daño colateral de ser despistada fue olvidarme de ‘Paprika, detective de los sueños’, cinta que descubrí hace algo más de 6 meses cuando se rumoreaba que Wolfgang Petersen preparaba su remake. Por suerte para mí, ayer el director de ‘La historia interminable’ ofreció unas declaraciones sobre el proyecto y me dije que no pasaría más tiempo sin verla.

La cinta de animación para adultos se estrenó en 2006, estuvo dirigida por Satoshi Kon (‘Perfect Blue’) y, a su vez, estaba basada en la homónima novela de Yasutaka Tsutsui. La historia gira en torno a un novedoso invento conocido como Mini DC, que permite al que lo lleva introducirse en los sueños de otras personas. El prototipo, todavía en desarrollo, está destinado a revolucionar el campo de la psiquiatría, pero, como no podía ser de otra manera, acaba en manos que no opinan lo mismo. Sin las restricciones necesarias, el aparato permite a su usuario ver los sueños de otro sin necesidad de estar conectado a una máquina de psicoterapia y lo que es aún peor, lograr meterse en sus mentes incluso cuando están despiertos.

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La pasada edición de los premios Goya me mostré convencida de que el premio a la mejor dirección novel sería para Álvaro Pastor y Antonio Naharro, responsables de ‘Yo, también’. Mis principales razones eran las buenas críticas y el tratar el síndrome de Down en primera persona, algo que, querramos o no, juega a su favor. Por supuesto, mis vaticinios prejuiciosos sin haber visto todas las nominadas no llegaron a ninguna parte, ya que el premio fue a parar a manos de una señorita llamada Mar Coll, que debutaba con el drama ‘Tres días con la familia’. Ahora, y tras conocer las dos cintas en cuestión, puedo decir que hemos ganado todos y, sobre todo, ha ganado el cine español con el buen gusto de los nuevos cineastas.

‘Tres días con la familia’ nos presenta a Léa, una estudiante que vive en Toulouse y que vuelve a casa para el entierro de su abuelo. La reunión sólo servirá para destapar los rencores de esta, aparente, dichosa familia burguesa catalana. A pesar de recordar en gran medida a la francesa ‘Las horas del verano’, Mar Coll nos ofrece una lección de fondo, forma y, sobre todo, buen gusto. No seré yo quien os desvele la trama, ni tampoco lo será Coll, ya que la acción nos retrata esos tres días de duelo sin artificios, dejándonos ser testigos de sus conversaciones y relaciones, permitiéndonos entablar nuestros propios vínculos con los personajes y encontrar en cada uno de ellos lo que ya conocemos de nuestras propias familias. A pesar de no ser una película excelente, servidora se quedó gratamente sorprendida de un trabajo tan inteligente firmado con sólo 28 años, una clara declaración de intenciones por parte de Mar Coll y un nombre del que estar pendiente en el futuro.

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Secuela, saga, adaptación, franquicia, remake, reboot, precuela, entrega… ¡Pasta! Casi todas estas palabras me provocan miedo. Principalmente porque vienen marcadas por el símbolo del dólar y todos sabemos que la moneda americana no está en su mejor momento. Hollywood pasa de ideas originales y es preferible una fuente de ingresos con un grupo de adeptos previo, que así aseguramos alguna ganancia.

Una se echa las manos a la cabeza cuando lee cosas cómo que habrá una nueva adaptación de ‘Los tres mosqueteros’, pero cuidado, que la cosa aún mejora al especificar que será en clave “más juvenil”. Yo ya no quiero cosas juveniles, me hago mayor y empiezan a dolerme las articulaciones. Servidora no puede conciliar el sueño pensando en qué juventud inspirará la sacrílega adaptación.

¿Disney? Sin duda los Jonas Brother interpretarían Athos, Porthos y Aramis, y el cabecilla del grupo no podría ser otro que Zac Efron. Sería el primer D’Artagnan luchando a espada a pecho descubierto. Si éste no pudiera sería facilmente reemplazable por los abdominales de Taylor Lautner.

¿Scorsese? De Niro, Harvey Keitel y Joe Pesci acompañando a Leonardo DiCaprio. A mí tampoco me gusta demasiado como D’Artagnan, pero si Marty se ha encaprichado no seré yo quien le lleve la contraria.

¿Tarantino? Samuel L. Jackson, Tim Roth y Michael Madsen como los mosqueteros y, por supuestísimo, Uma Thurman a la cabeza. Él tiene su manera de ver las cosas, puede gustarte o no gustarte, pero siempre tiene razón.

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Carey Mulligan debutó en 2005 con la versión de ‘Orgullo y prejuicio’ dirigida por Joe Wright, en ella interpretaba a Kitty, una de las insoportables hermanas de Lizzy. Las menores de la familia Bennet son dos de los personajes más odiados de la literatura, sus estúpidas risitas nos sacaron de quicio a todos, pero lo peor es que la mayoría fuimos así en alguna ocasión. Cinco años después tenemos a una Carey Mulligan más crecidita, nominada al Oscar e interpretando a otra adolescente.

En ‘An education’ Mulligan da vida a Jenny, una inteligente estudiante de 16 años cuya única determinación en la vida es estudiar en Oxford, o más bien esa es la idea de su padre. Ella sueña con viajar a Paris e impregnarse del arte y la cultura de la ciudad de la luz. ¿Y qué pasa con toda adolescente bien encaminada por sus padres? Un chico. En este caso un hombre, David, un elegante y embaucador vividor que puede convertir todos los sueños de Jenny en realidad. Sin embargo, nada es lo que parece y la vida dorada que ponen en bandeja a la joven no resulta tan reluciente cuando se está dentro de ella.

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Lo reconozco, iba con prejuicios. Las críticas no apuntaban alto y con los 43 millones de dólares que recaudó en Estados Unidos se mascaba la tragedia. Por suerte mantengo mi yo ñoño siempre latente, a la espera de grandes escenas dramáticas y trasfondos llenos de valores, por lo que en lo más profundo de mi ser pensaba sacar algo en limpio. Pues no. Peter Jackson ha logrado adaptar mal una novela dramática y convertirla en un amago de thriller sostenido por algodón de azúcar.

‘The lovely bones’ adapta la novela ‘Desde mi cielo’ de Alice Sebold, que narra las vidas de todos los que rodean a Susie Salmon después de que la niña sea asesinada. Sebold se centra en la evolución de los personajes marcados por la tragedia y aunque la búsqueda del asesino es parte inherente a la historia, nunca es el centro de ella. La escritora, que fue violada a los 19 años, pretende dar una lección de aceptación por encima de la venganza, y aunque no me convenció demasiado el libro, esa era su visión. Tras ver el primer tráiler, y presuponiendo fidelidad a la obra, pensé que el señor Jackson había elegido los escasos momentos de tensión para vender un producto más interesante para el gran público. Pero no, el señor Jackson se ha quedado con esos momentos de tensión para resumir todo el libro, lo que yo considero una violación a la novela de Sebold.

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Odio a Ted Mosby. Es pringado, calzonazos, insulso y estoy convencida de que Josh Radnor hace años estaba gordo, lo que no es un problema pero me crea una extraña inquietud. Es el típico personaje sobre el que gira la trama central de una serie y que acaba eclipsado por algún secundario, en este caso Barney y sus trajes. Esta ¿profunda? y desubicada reflexión pretende poner en situación para la siguiente noticia: Josh Radnor, el actor que interpreta a Ted y al que por extensión también odio, se ha llevado el Premio del Público de esta edición de Sundance en la categoría de ficción. Siempre he confiado en los galardones elegidos por el público ya que combinan calidad y accesibilidad a partes iguales, porque al final todo esto del cine se basa en el entretenimiento.

Radnor ha escrito, dirigido y protagonizado ‘Happythankyoumoreplease’ (¡toma ya!), una historia coral sobre jóvenes neoyorquinos que se enfrentan a la madurez, el cinismo actual y al verdadero significado de la amistad y el amor (sinopsis patrocinada por IMDb). El protagonista de la cinta es Sam Wexler, un escritor que lidia con un día especialmente difícil, hasta que se encuentra en el metro a un niño perdido, al que decide llevar a su apartamento y con el que inicia una complicada amistad. El resto de personajes lo forman los amigos de Sam: Annie, cuya imagen personal la aleja de sus compromisos; Charlie y Mary Catherine, una pareja que pondrá a prueba su relación ante un posible traslado; y Mississippi, una camarera por la que se interesará Sam.

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Seamos sinceros, la acción es terreno masculino, y si ya nos metemos en cine bélico la cosa se restringe aún más. Sin embargo, Kathryn Bigelow ha demostrado que tiene más talento que la mayoría para representar la guerra y, de paso, dejar claro que los tiene muy bien puestos. Ni yo soy muy bélica, ni me había interesado nada de la filmografía de esta directora, salvo un cariño infantil que le guardo a ‘Le llaman Bodhi’, pero hoy he tomado la firme decisión de que Bigelow es mi favorita absoluta para llevarse el Oscar a la mejor dirección.

‘En tierra hostil’ narra el día a día de un grupo de artificieros en Irak y desde el primer minuto nos advierten que la guerra es una droga, y esta droga es la adrenalina. Bigelow nos sirve en bandeja el mismo chute que siente James, el temerario cabecilla de la patrulla, cada vez que tiene que desactivar una bomba. Mediante un perfecto uso de la cámara en movimiento la película roza por momentos el tono documental para brindar el realismo necesario a un conflicto tan actual como el de Irak. Mientras en otras cintas se critica el abuso de esta técnica, la directora lo usa con brillantez para conferir el movimiento necesario en los momentos de más tensión y dejarnos sin aliento.

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La vida real es un tema que no mola demasiado en el cine, situaciones exceptionales, personajes inverosímiles y la pura ciencia-ficción funcionan mucho mejor en taquilla, tal y como ha demostrado ‘Avatar’ al convertirse en la película más taquillera de la historia. Todos buscamos vernos reflejados en la gran pantalla, como si así lograramos entendernos mejor. Pero yo no soy ni una torpe encantadora de comedia romántica, ni la buenorra florero del cine de acción. Yo siempre me he visto como chica de drama, como la contenida Kate Winslet en ‘Revolutionary Road’ o el efervescente Kevin Spacey de ‘American beauty’.

Como hoy toca drama y realidad he elegido hablar de ‘Blue Valentine’, la historia de una pareja a lo largo del tiempo, desde el amor al odio con todos sus altibajos. La dirección corre a cargo de otro debutante, Derek Cianfrance, que ha contado con una gran pareja para encabezar el reparto: Michelle Williams y Ryan Gosling. Ya sé que muchos no estaréis de acuerdo, pero a mí me encantan. Ryan es un tío con muchísimo talento, sólo hay que verlo en ‘Lars y una chica de verdad’ o ‘Half Nelson’, olvidándose de la edulcorada ‘El diario de Noa’. Y Michelle me resulta una tía muy real y verosímil, hace bastante cine independiente intentando buscar buenos papeles pero falla al elegir blockbusters, porque fiascos como los de ‘La lista’ dejan huella. La alargada sombra de Heath Ledger la perseguirá el resto de sus días.

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El pasado jueves os hablaba de ‘Buried’, la nueva película del gallego Rodrigo Cortés y que debutó este fin de semana en Sundance. Pues hoy tengo que decir eso de Galicia Calidade, ya que Lionsgate se ha hecho con los derechos de distribución de la cinta, confirmando que ha sido uno de los estrenos más aplaudidos hasta el momento. Mi más sincera enhorabuena para Cortés, y si vuelve para casa con alguno de los galardones aún mejor.

Hoy voy a hablar de otra de las películas en competición, ‘Animal Kingdom’, drama criminal australiano escrito y dirigido por el debutante David Michôd. La historia comienza cuando Pope Cody, un ladrón armado que huye de la ley, decide esconderse en su barrio rodeado de su familia y amigos. Al mismo tiempo se muda con ellos Joshua “J” Cody, un sobrino lejano que se verá inmerso en la sangrienta lucha entre la policía y su familia.

Por el momento tenemos el teaser tráiler que dejo a continuación, una nueva demostración de lo bien que sintonizan música y acción radicalmente diferentes, y el principal motivo por el que hoy se merece un ratito de mi atención. Nos encanta el crimen y nos encanta la sangre, así que estaremos pendientes de lo que sucede con esta historia de los bajos fondos australianos.

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Un mes después de estrenarse en Estados Unidos llega a nuestras pantallas ‘Up in the air’, justo a tiempo para llegar a los Oscar. Ya es todo un clásico de principio de año que lleguen en manada las películas menos comerciales pero más reconocidas en las entregas de premios. Hasta la gala que tendrá lugar el 7 de marzo se estrenarán ‘Invictus’ y ‘El tierra hostil’ (29 de enero); ‘La carretera’ y ‘Precious’ (5 de febrero); ‘A single man’ (12 de febrero); y ‘The lovely bones’, ‘Un profeta’ y ‘An education’ (26 de febrero).

Hoy le toca el turno a la nueva película de Jason Reitman, el fantástico director de ‘Gracias por fumar’ y ‘Juno’ que repite fórmula con el respaldo de un gran presupuesto. No se puede decir que 25 millones dólares sea una gran cantidad teniendo en cuenta los 500 que se especula que ha costado ‘Avatar’, pero frente a los 6.5 y 7.5 millones de sus dos anteriores cintas es todo un progreso. Reitman nos ofrece comedia, drama y moral a partes iguales en la historia de Ryan Bingham, un hombre que se pasa la vida viajando y despidiendo a los trabajadores cuyos jefes no tienen valor para hacerlo.

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Tras repasar ‘Hesher’ y ‘Buried’, hoy le toca el turno a ‘Welcome to the Rileys’, segundo largometraje de Jake Scott, conocido más por ser hijo de Riddley que por haber dirigido en 1999 la prescindible ‘Plunkett y Macleane’.

El que debería ser uno de los grandes dramas del festival narra la historia de Doug y Lois, un matrimonio que ha perdido a su hija adolescente. Ella vive dedicada a mantener su casa inmaculada, mientras que él anestesia el dolor con la pasión momentánea que le ofrece su affair con una camarera. Cuando la amante fallece, Doug escapa a Nueva Orleans con la excusa de un viaje de trabajo y acabará convertido en el guardián de una prostituta menor de edad con un pasado difícil. Lois luchará por vender su agorafobia y reclamar su matrimonio, acogiendo en su propio hogar a la joven.

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Tengo un post inacabado sobre Spike Jonze y su trabajo en cortos, anuncios y videoclips, inspirado por su nuevo cortometraje, ‘I’m here’, que estrenará esta misma noche en Sundance. Hoy se ha publicado el tráiler oficial, es un corto de media hora, y no podía pasar sin tener aquí las primeras muestras de esta historia de amor entre robots.

SPIKE JONZE ES DIOS

Sería maravilloso que este post empezara con ‘un día más desde Sundance…’, sin embargo tendremos que dejarlo en una noche más, desde Vigo y en pijama. Que no podamos pasearnos por las calles de Park City no significa que no podamos pasar un buen rato navegando por la página oficial del Festival de Sundance, que aunque no es tan glamuroso es igualmente digno.

Hoy quiero hablar de otra de las películas en competición, ‘Buried’, que a pesar de no ser de las que más me llaman tiene un gran aliciente, es española. Sí, los españoles también llegamos a Sundance. “El cine español es una mierda”. No, la mayoría de los espectadores españoles son una mierda. Tras el momento hormonal empecemos diciendo que ‘Buried’ o ‘Enterrado’ es una coproducción entre EEUU y España que está dirigida por Rodrigo Cortés, responsable de ‘Concursante’ y, además, gallego.

La cinta narra la historia de un contratista civil que es secuestrado en Irak y despierta unas horas después dentro de un ataud teniendo en su poder únicamente un teléfono móvil, una vela y un cuchillo. El papel principal es interpretado por el fornido Ryan Reynolds que, sin duda, será el principal responsable del éxito o fracaso de la cinta por el gran peso que recae sobre su interpretación. Ryan es un tío que me cae bien, no tengo muy claro si es porque está bueno, o por el respeto que merece tras haberse ligado a La Diosa. Sea lo que fuere, Reynolds no es un gran actor y ‘Buried’ será su gran reto para demostrar si es algo más que el cachas que hace de Masacre y Linterna Verde.

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